Drama

'World Trade Center' - Oliver Stone (2006)

FICHA TÉCNICA:

Titulo: World Trade Center

Año / País: 2006, USA

Género: Drama / Histórica

Director: Oliver Stone

Guión: Andrea Berloff

Intérpretes: Nicolas Cage (John McLoughlin), Michael Peña (Will Jimeno), Maria Bello (Donna McLoughlin), Maggie Gyllenhaal (Allison Jimeno), Jay Hernandez (Dominick Pezzulo)

Fotografía: Seamus McGarvey

Música: Craig Armstrong

Ficha IMDB: Ficha World Trade Center

CRíTICA:

WORLD TRADE CENTER: 11S'01, Un día que vimos lo peor y lo mejor del ser humano:

Oliver Stone, alejado totalmente de sus mejores y polémicos trabajos ('JFK', 'Platoon', 'Heaven & Earth' o 'Natural Born Killers'), nos entrega en esta ocasión un film que en sus planteamientos argumentales podria pasar claramente como un telefilm, de hecho, sigue la estructura de tales, pero a diferencia de éstos, la realización es de altura, de hecho, el film posee una factura buena, con algún que otro momento destacable.

Pero un mal o insuficiente guión hace mucho, y reconozcámoslo, no hay historia para una pelicula de 129 minutos, y más cuando la mayoria del tiempo salen solo 2 personajes atrapados y nos cuentan lo que se dicen, que llega a un punto a resultar repetitivo, cansino y en donde los dialogos carecen de cualquier originalidad o interés.

La primera parte del film en mi opinión está bien, mostrándonos esas calles y posteriormente, ya acercándonos al final, esa transformación del centro de NY. La película, de acuerdo que es en muchísimos momentos pastelosa y típica hasta la saciedad, pero contiene cosas en mi opinión muy destacables y a valorar, como era el caso de la mala pero interesante 'Alexander'.

Momentos destacables son por ejemplo, el inicio como he dicho anteriormente que me pareció bueno, el camino hacia las torres por parte de la polícia portuaria con un autobús, rodado de una forma simplemente magistral, todas las escenas del interior de la torre y su posterior derrumbiento (fantásticamente hecho por cierto), el momento en que sacan a John (Nicolas Cage) de los destrozos acumulados de una forma visual como si saliera de un ataúd, los fundidos en negro del personaje de Cage cuando se desvanece y está entre la vida y la muerte (simplemente sensacional, con esos efectos sonoros), cualquier momento en que salgan Maria Bello o Maggie Gyllenhaal que están fantásticas las 2, el fundido en negro tras el derrumbamiento de las torres, las mismas tomas del inicio pero ahora tras la catástrofe y algunos flashback conseguidos.

Cosas malas del film, pues algunas bastantes. Para empezar, y aun estar estupendamente rodada, el aroma a telefilm que desprende la cinta en todo momento, el espantoso (pero espantoso) final tras ese típico y pasteloso de toda la vida cartelito ("2 años después"), las escenas del hospital con las respectivas esposas, que Oliver Stone (y parece mentira, ¡quien le ha visto y quién lo ve!!) recurre al sentimentalismo facilón y simple, el simplismo de la historia, las lentillas azules de Maria Bello (¿para que narices le han plantao lentillas azules a esta mujer?), las apariciones con una Evián bajo el brazo de Jesús (a que vienen?), el doblaje (espantoso), los actores latinos (a cual más malo) Jay Hernandez (visto en la curiosa pero mala de narices 'Hostel') o el latino de moda (y no sabemos porque) Michael Peña (visto en 'Crash', en donde no hacia nada del otro mundo), la música de Craig Armstrong que no arriesga nada en mi opinión y ese tema final es lo más comercial y pasteloso desde 'Armageddon' y ¿porque Oliver Stone empieza un film de una forma bien-notable y lo acaba de una forma tan deficiente?.

En fin, estamos ante una película con cosas buenas, las actuaciones destacables de Maria Bello y Maggie Gyllenhaal (que belleza tan particular tiene esta tia!) y decente aunque justa de Nicolas Cage, del resto mejor no mencionarlos, una dirección buena pero con un guión que en sus planteamientos narrativos no se implica ni arriesga en nada. Si no se puede hacer un film serio, documentado y completo sobre ese día porque aún es reciente, lo entiendo, pues que no se ruede la película. Más vale que Stone aprendiera de Paul Greengrass y su estupenda película, mucho mejor en todos los ámbitos.

PUNTUACIÓN:

'United 93' - Paul Greengrass (2006)

Titulo: United 93
Año / País: 2006, USA

Género: Drama, Histórica

Director: Paul Greengrass

Guión: Paul Greengrass

Intérpretes: Christian Clemenson (Thomas E. Burnett, Jr.), Trish Gates (Sandra Bradshaw), Polly Adams (Deborah Welsh), Cheyenne Jackson (Mark Bingham), Opal Alladin (CeeCee Lyles), Gary Commock (First Officer LeRoy Homer), Nancy McDoniel (Lorraine G. Bay), David Alan Basche (Todd Beamer), Patrick St. Esprit (Major Kevin Nasypany), Gregg Henry (Colonel Robert Marr)

Fotografía: Barry Ackroyd

Música: John Powell

Crítica: Al acabar de ver esta pelicula reconozco que me costó realmente levantarme del asiento, en estado de shock te quedas tras acabar de ver una obra, totalmente maestra, que tiene ante todo como fin, ser un homenaje a todas las victimas inocentes de los antentados del 11 de septiembre del 2001, recordemos, el mayor atentado terrorista de la historia de EEUU. El film, ante todo, nos cuenta la historia del 4rto avión secuestrado que justamente fué el único que no pudo completar su misión, que era impactar contra la Casa Blanca, y que se estrelló finalmente en las proximidades de Shanksville, Pensilvania. Recordemos que los otros 3 aviones secuestrados se estrellaron 2 en las Torres Gemelas propiciando sendos incendios gigantescos y el posterior derrumbamiento de ambas torres, y el tercero en el Pentágono.

La película es un absoluta maravilla. Con un ritmo frenético, un control del tempo narrativo magnífico, brutalmente sobrecogedora, inteligente, emocionante, y con una gran dirección. Su director, Paul Greengrass, ha hecho films notables como pueden ser 'Bloody Sunday' o 'El mito de Bourne'. Es un director habitual en cine político o social, como puede ser su colega británico Ken Loach, como así lo demuestran la citada 'Bloody Sunday', o (en este caso en la produccón) esa joyita semidesconocida pero totalmente necesaria llamada 'Omagh' sobre los atentados del IRA en dicho pueblo y las consecuencias. En definitiva, un director que realiza o produce films arriesgados.

 

El film se inicia, para la sorpresa de todos, con los terroristas, intercalando planos aéreos nocturnos de la ciudad de NY con oraciones del Corán en voz en off, que resulta bastante acertado e impactante a la vez. Al film hay quien le acusa de que humaniza a los terroristas islámicos en exceso. Yo sinceramente creo que Greengrass ha dado su punto de vista al tema, porque, en el fondo, ¿quién no tiene miedo a la muerte?.

El film se aparta de todo sentimentalismo (y eso que es tremendamente complicado con este tipo de historia) pero lo consigue, y Greengrass ofrece un documento serio, extremadamente documentado, muy realista, bien planteado, con una narración clara y un guión magnífico también de él. Al film se le ha tachado de frío, por algunas personas, pero recordemos que es una pelicula semidocumental (ver ese tipo de filmacion y el desarrollo de la cinta), una pelicula de ficcion pero con tono documentalista, y con momentos emocionantes también. Lo que intento decir es que no se aprovecha de las circunstancias para jugar con los sentimientos del espectador, nos lo muestra y lo hace de forma absolutamente respetuosa y seria.

Greengrass es un director sabio, sabe que la trama de la película es muy peliaguda en los tiempos que corren, de hecho solo han pasado 5 años de aquello, y apenas toca temas tan espinosos como pueden ser la religión o la politica, los toca lo justo, en su justa medida, y creo que es un acierto, pues no es un film totalmente politico o religioso. Hay rumores que apuntaban a que ese avión no completó su misión porque fué derribado por cazas, en el film apuestan por otra historia, quizás veridica, no lo sé, sobre que los pasajeros juntaron fuerzas, hicieron un plan, se rebelaron y hubo un motín a bordo. Greengrass, en este film ante todo ha querido reflejar las ganas de vivir y luchar que tenian todas esas personas inocentes, quizás desconocidas, pero personas decentes y con derecho a seguir viviendo.

 

 

 

Otro gran acierto de esta producción es el casting en su totalidad desconocido por el gran público (la mayoria son de series de tv y/o tv movies), que llegan a sorprender, lo dan absolutamente todo y cumplen perfectamente con su cometido. Y digo que es un acierto, porque en esta película no hay protagonistas, creo que es acertado que nadie sobresalga, porque el autentico protagonista de 'United 93' es la historia, y sus personajes están al servicio de ella.

La película es un film sobre el terror. El terror de un dia que sufrió una nación y por extensión el mundo entero. un film sobre el miedo y sobre la esperanza, si, sobre la esperanza de que nunca pase nada igual y de que reine de una vez por todas, el orden y la paz mundial. Es un comentario prácticamente utópico pero que no quede por soñar.

Escenas memorables son la del inicio del film (esos magnificos planos cenitales), cualquier escena de los centros de control de aviación, militares, etc.., la escena de las oraciones religiosas por ambas partes: los terroristas la islámica, y los pasajeros la católica, la parte del motín rodado de un forma totalmente devastadora, el fundido en negro final simplemente terrorifico y elegante a la vez.

 

 

 

La música de John Powell es perfecta para el film, se dedica a acompañar a las imagenes del film pero no lo interrumpe, funciona como si de un documental se tratase casi. Un score eficaz.

También destacable es el montaje, totalmente dinámico, sin fisuras y sin apenas conceder minutos al espectador. Muy buen montaje.

El film nos muestra todo el caos aéreo de ese dia, las desinformaciones de los vuelos, secuestros, etc.., las desincronizaciones con los militares y la falta de soluciones en tan poco tiempo de reacción.

La película ha sido realizada con total consentimiento por las familias de los pasajeros del vuelo United 93. Paul Greengrass no la hubiera realizado de no ser asi.

Decir que en EEUU el recibimiento que tuvo por parte del público fué bastante normalito y ni mucho menos fué un éxito ni nada. Si, en cambio, fué un rotundo éxito en critica ya que, un servidor, aún no conoce una crítica negativa de la película.

 

 

El film son 101 minutos que no dan respiro al espectador, una narración envidiable unidos a un montaje con una dinamica brutal y a una historia tremendamente aterradora porque es cercana y real. Un tratamiento muy bueno de la historia y que supone el primer acercamiento cinematográfico a los atentados del 11 de Septiembre. Eso requiere mucho valor, tacto y responsabilidad.

No creo que el film de Oliver Stone que se estrena este Septiembre titulado 'World Trade Center' supere a esta joya. Si bien, por el trailer, y ojalá me equivoque, creo que tendrá momentos muy sentimentalistas, aunque también creo que tendrá escenas poderosas y quizás imborrables.

Solo me queda por dar la enhorabuena a Paul Greengrass porque ha hecho una autentica obra maestra, y ya sabemos todos que no estará nominada a los oscars, pero bueno. Una de las películas más sobrecogedoras, inteligentes, arriesgadas, impactantes, documentadas, realistas y por supuesto necesarias que haya visto en una sala de cine.

 

'Broken Flowers' - Jim Jarmusch (2005)

Titulo: Broken Flowers (Flores Rotas)

Año / País: 2005, USA
Género: Drama

Director: Jim Jarmusch
Guión: Jim Jarmusch

Intérpretes: Bill Murray (Don Johnston), Jeffrey Wright (Winston), Sharon Stone (Laura), Frances Conroy (Dora), Jessica Lange (Carmen), Julie Delpy (Sherry), Tilda Swinton (Penny), Chloë Sevigny (Carmen's Assistant)

Fotografía: Frederick Elmes

Música: Mulatu Astatke, The Greenhornes,  Dengue Fever,  Sleep,  Holly Golightly,  Marvin Gaye, The Tennors,  Brian Jonestown Massacre.

 
Crítica: Jim Jarmusch es uno de esos directores a remarcar, un director que se mueve entre el cine clásico americano pero siempre en la vanguardia. Un director bizarro, con un humor característico, negro y sumamente inteligente, sus obras siempre están salpicadas de una calidad abrumadora y como mínimo no dejan indiferentes.

En 'Broken Flowers', tenemos no solo una de sus mejores obras (digan lo que digan) sino una de las mejores películas del año pasado e injustamente no nominada en los oscars en algún que otro apartado. Recalcar que el film se llevó el gran premio del jurado en el Festival de Cannes 2005, recordemos que es el segundo premio más importante del certámen tras la Palma de oro.

Don Johnston, como dice y reitera su personaje "con T" (Bill Murray) es un tipo que ha sido un don juan durante toda su vida (curiosamente su personaje se llama Don), con un gran número de romances, todos ellos a la postre fallidos, y que su última conquista le acaba de abandonar por varias razones.

Se nos presenta a un personaje aparentemente impasible y del todo pasota ante la vida y ante los compromisos, pero su vida dará un cambio al recibir una carta. Una carta de color rosa con tinta roja y escrita por alguien que no consta en el remite. En el sobre tampoco queda claro de donde proviene, pues el matasellos está práctimamente borrado. En dicha carta se dice que Don tiene un hijo, que la madre lo tuvo hace muchos años y que dicho hijo ha salido en busca de su padre. Su vecino Winston (Jeffrey Wright), al ver la carta e investigar algo sobre ello, le encarga a Don que haga una lista de posibles novias pasadas para poder resolver quién está detrás de todo esto y si es realmente la madre de su presunto hijo, para que el propio Winston confeccione un viaje (vuelos, hoteles, alquiler de coches, etc..) para resolver el misterio.

 

 

Ahí se inicia un viaje en donde Jarmusch juega con muchos conceptos, llenísimo de metáforas, y en donde se nos muestra a un Don Johnston (Murray) que ha pasado claramente del típico Don Juan a un Don nadie, sin apenas futuro y sin siquiera saber si tiene un hijo. Se inicia el viaje llegando a la casa de Laura (Sharon Stone) en donde podemos ver un clarísimo homenaje en la figura de Lolita (Alexis Dziena) a la novel homónima de Nabokov y por extensión a la obra maestra de Kubrick. Por cierto, que trasero tiene.. bueno, eso son temas aparte xD. Tras cenar con Laura e hija, y comprobar que es imposible que fuera ella, Don decide proseguir su camino. Quizás este sea el encuentro más caluroso que tenga de todos.

Tras ello, se encontrará con personajes tan dispares como la encantadora y sensible Dora (Frances Conroy) ya casada y sin hijos, la ilusionista Carmen (Jessica Lange), la cual es una persona que su forma de ser no oculta su tremenda falsedad y queda demostrado de la forma en que se despide de Don sin apenas darle la oportunidad de quedar a cenar con él, o la agresiva y atormentada Penny (Tilda Swinton), en donde encuentra en apenas metros increíbles coindidencias (máquina de escribir rosa, moto con asiento rosa, flores rosas rodeando el hogar, etc..).

 

 

También visitará a una exnovia suya tristemente ya fallecida. Qué gran escena de Bill Murray apoyado en ese árbol al lado de esa tumba, con una lluvia de fondo y las lágrimas que reocrren su rostro nos indica cuanto le hubiese gustado decirle algo y poderse despedir. Un momento realmente emotivo totalmente separado de cualquier tipo de sensibleria, como suele ser costumbre en los films de Jarmusch. Para mi, una de las grandes escenas del film.

Acabado un sinfín de viajes en avión, kilómetros recorridos en coche y una decena de visitas a lugares dispersos, es hora de que Don vuelva a casa. Vuelve aparentemente con las manos vacías, sin ninguna pista y cansado y dolorido tras un encontronazo en casa de Penny. Está exhausto y cansado de muchas cosas, sobre todo porque por primera vez en mucho tiempo, está preocupado, quiere saber, necesita saber si tiene un hijo, hay una meta en su vida.

La parte final me parece sumamente maravillosa. Se dice que en la vida nunca nada se puede dar por perdido, nunca se sabe que ocurrirá, nunca se sabe cuando te reencontrarás con alguien especial o que quizás la persona más importante de tu vida, esté ante ti o en la calle de enfrente, aunque aún no la conozcas. Eso es lo que nos quiere decir Jarmusch con ese final, tan sabio y con esos dialogos entre 2 personajes que se buscan el uno al otro sin conocerse y que a la vez huyen de ellos. Es la visión de un falso padre pero con intenciones de poder conocer a su hijo. Significaria sentirse orgulloso de algo en su vida, de sentir que hay cosas que han valido la pena, de tener una responsabilidad, de tener algo por quien pensar, querer o llorar. Por la parte del hijo, sería conocer su pasado, sus raíces, su verdadero padre y entonces cuando sepa quién es, encarar su vida. Ver esa escena final del rostro de Murray, absolutamente deshecho por haber perdido la gran oportunidad de conocer a su supuesto hijo, porque Jarmusch jamás nos dice si es su hijo, quizás sea un chico que pasaba por allí, que tenia muchas coincidencias con quien buscaba Don, pero... y si era realmente su hijo que huye de lo que se pueda encontrar?, pero... tendria sentido viajar para un objetivo y cuando ese objetivo es encontrado huir?. Quizás no tenga sentido pero sí a veces se hace. Cuantas veces se querrá a alguien y por diversos motivos se evita? Estamos ante algo similar.

 

 

 

Como he dicho, es la búsqueda de un cambio. Jarmusch aqui vuelve a unir historias de personajes, pero que antes apenas hemos visto (véase el supuesto hijo) como es costumbre en sus películas (coffee and cigarettes, night on the earth, etc...).

Las actuaciones son muy buenas todas. Comenzando por un fantástico Bill Murray, que muchos han comparado esta actuación con la suya en 'Lost in translation'. Yo, sinceramente, creo que son 2 actuaciones diferentes, bastante diferentes pero con similitudes. Ambos personajes se toman la vida con cierta calma y con pasividad en algunas cosas, pero por otro lado tienen poco que ver en otros aspectos. Un personaje rico en matices, profundo, bien trabajado y sobretodo que conmueve sin apenas pestañear. Os recomiendo verlo en la asombrosa 'Life Aquatic' de Wes Anderson, en donde está soberbio también. Qué grande es Bill Murray.

El resto del reparto, fabuloso. Nos encontramos también al siempre excelente Jeffrey Wright en un papel secundario magnífico, por cierto nominado al Independent Spirit Award, y las actrices que encarnan a las ex-novias de Don todas magníficas desde Sharon Stone, Jessica Lange, Julie Delpy, Frances Conroy y Tilda Swinton.

Recalcar que Chloë Sevigny hace también un brevisimo papel secundario.

Sobre la realización, qué se puede decir, pues muy buena. Jim Jarmusch es un extraordinario director sobretodo director de actores, siempre consigue trabajos destacables de sus actores y actrices. La fotografía es decente sin más y la música... muy buena la selección de canciones como en cualquier peli de Jim. En esta se ha superado a si mismo en frikismo, hay por todos lados música etíope XD. Ese hombre es mi idolo, vaya huevos XD

 

 

 

En fin, 'Broken Flowers (Flores Rotas)' es una joya semidesconocida por muchos, muchos la criticaban de pesada y tediosa cuando no lo es exactamente pero otros muchos la encumbran por lo que es, una película magnifica sobre algo tan simple pero autentico como el sentido de la vida y nuestra verdadera identidad. Una búsqueda del cambio.

Un film sobre la esperanza y sobre la rareza de nuestra vida.

Véanla.

"Sometimes life brings strange surprises"

'Cinderella Man' - Ron Howard (2005)

Titulo: Cinderella Man

Año / País: 2005, USA
Género: Drama

Director: Ron Howard
Guión: Cliff Hollingsworth, Akiva Goldsman

Intérpretes: Russell Crowe (Jim Braddock), Renée Zellweger (Mae Braddock), Paul Giamatti (joe Gould), Craig Bierko (Max Baer)

Fotografía: Salvatore Totino
Música: Thomas Newman

Crítica: Quién iba a decir que nuestro amigo Ron Howard, un director al que consideraba absolutamente limitado y con proyectos que siempre eran encargos y sin un ápice de riesgo, era capaz de sorprender a propios y a extraños con un notable film dirigido, en ocasiones, con tremenda maestría. Posiblemente, el bueno de Howard jamás volverá a rodar un film del nivel de Cinderella Man, su mejor y único film bueno para mi gusto.

Para empezar, el retrato de la época y el diseño de producción está bastante bien elaborado, con bastante tipo de detalles, y nos lo muestra sin profundizar excesivamente, y con acierto en mi opinión, puesto que no se trata de un film sobre la depresión de los años 30. Desde siempre, yo era uno de los que criticaban al sr Howard por sus films falto de riesgo cinematográfico, pero en Cinderella Man no puedo decir eso. Es un film con ciertos riesgos y bien resueltos, incluso sorprende en ocasiones para ser él el director.

El film trata sobre la figura de James J. Braddock, un boxeador que pasó de perderlo todo y no tener nada a ser la esperanza de muchas personas y el ejemplo a seguir, un ejemplo de superación y espíritu humano. Russell Crowe interpreta a Braddock en una actuación correcta, en ocasiones está impresionante, en otras sobreactuado. Es el fallo de este actor, que a veces peca de sobreactuación ( véase el caso en 'A beautiful mind', una actuación buena pero excesivamente sobrevalorada). Pero en resumen, tiene grandes escenas y es una actuación remarcable en su filmografía sin dudarlo.

Renée Zellweger, es el personaje pegote del film, hablando claro, un personaje que debiera ser más importante y estar mejor construído, pero eso se podria haber paliado algo con una gran actriz que aportara carácter y presencia, pero nuestra amiga Renée solo aporta sus morritos. Una actuación, sinceramente, rozando lo lamentable.

Paul Giamatti está recibiendo al fin los frutos a una gran trayectoria como actor secundario. Si en American Splendor y sobretodo en Sideways está simplemente de oscar, aquí no baja el nivel. Una actuación totalmente perfecta, sin nada que objetar, merecidisima su nominación al oscar. La mejor actuación de la película. Giamatti es sin dudarlo uno de los grandes actores de la actualidad, y si ahora le dan papeles protagonistas es porque ha estado años y años demostrando su altisima calidad como artista.

La fotografía de Salvatore Tonino, con quién Howard repite en la posterior The Da Vinci Code, es increíble. Las escenas de los combates, las del muelle, las del interior de la casa de los Braddock, la de las calles nevadas, etc... hacen las delicias de quienes disfrutamos de una buena fotografía. Por cierto, decir que en The Da Vinci Code, Tonino se luce aún más y en mi opinión creo que ya va siendo hora que nominen al oscar al italiano.

La música del film de Thomas Newman me recordó a el score de Road to perdition, aún asi queda fantástico al film ese sonido tan propio del realizador.

 

En cuanto a la dirección de Howard, pues en algunas cosas (diria en muchas) sorprende, en otras recae en sus errores más conocidos. Los combates están extraordinariamente rodados, con un control del espacio y encuadre impresionante y con un tempo narrativo tremendamente bien llevado y conseguido. Y el resto del film está muy bien dirigida, de forma clásico y con ciertos momentos en donde ha arriesgado el director (véase esa escena de transición entre 2 épocas unido a una mesa con un reloj, que me pareció absolutamente maravilloso, las escenas intercaladas en el combate de Braddock de sus hijos cuando está en las cuerdas a punto de perder, las escenas del cementerio que le vienen a la mujer de Braddock, cualquier toma en el ring, con algunos contrapicados interesantes o tomas subjetivas, laterales o desde atrás.

Todo ello hizo que me sorprendiera el trabajo de Howard para este film, pero como no, algo de ñoñería también tiene un lugar, aunque pequeñísimo en esta película. Las ecenas con Renée Z. son muy mejorables como su personaje, y la escena hacia el final de la iglesia y del encuentro en los vestuarios entre la pareja Braddock sobra. Pero, en conjunto, apenas se nota y eso es de agradecer y el film acaba justo cuando debe acabar, no de forma original ni mucho menos pero si de forma correcta.

Cinderella Man es una película notable que mereció mejor suerte en taquilla, y es lo que siempre se dice, quizás las mejores obras de un realizador no son siempre las más populares o conocidas. he aquí un ejemplo de ello. Un realizador que parece que poco a poco mejora, viendo la notable e injustamente infravalorada The Da Vinci Code.

'An unfinished life' - Lasse Hallström (2005)

Titulo: Una vida por delante (An unfinished life)

Año: 2005

Director: Lasse Hallström
Guión: Mark Spragg, Virginia Korus Spragg

Intérpretes: Robert Redford (Einar Gilkyson), Jennifer Lopez (Jean Gilkyson), Morgan Freeman (Mitch Bradley), Josh Lucas (Sheriff Crane Curtis), Damian Lewis (Gary Watson), Camryn Manheim (Nina), Becca Gardner (Griff Gilkyson)

Fotografía: Oliver Stapleton
Música: Deborah Lurie

 

Sinopsis: Jean (Jennifer Lopez), una joven viuda, cansada de los malos tratos a los que la somete su actual pareja, huye con su hija a su pueblo natal, a casa de su suegro Einar (Robert Redford). Éste, un ranchero que ha dejado que se arruine su granja y su matrimonio desde que murió su hijo hace diez años, vive junto a su mejor amigo y ayudante Mitch (Morgan Freeman). A pesar del gran rencor que Einar guarda hacia la mujer, a la que considera culpable de la muerte de su hijo en accidente de coche años atrás, no podrá evitar acabar sucumbiendo a los encantos de la nieta.

Crítica: Lo cierto es que Lasse Hallström hace un cine del que ya no se hace, con cierto sabor a cine de Capra y siempre con regusto clásico. Sus films en su mayoria tratan de gente corriene, con problemas corrientes y fácilmente identificables por parte de los espectadores. Sus historias humanas realmente conmueven y consiguen algo dificil de ver hoy en dia, tratar sobre la bondad interior de las personas. Soy un admirador de la obra de este realizador sueco, un director capaz de hacernos reflexionar y enseñarnos a ser mejores personas, si, no es exagerado esto que digo, es el Frank Capra de la actualidad sin dudarlo.

Tras realizar maravillosas películas como son ¿A quén ama Gilbert grape?. Las normas de la casa de la sidra, Chocolat o Atando Cabos (The shipping News), aqui nos vuelve a regalar otra historia de amor humano y redención, todo ello ambientado en el magnífico estado de Wyoming, con unos paisajes fabulosamente fotografiados. Básicamente, Una vida por delante, va sobre el perdón, y sobre aceptar la vida que se nos ha dado incluidas las pegas o dificultades que pueden haber. Un personaje realmente fantástico y sabio es el interpretado por Morgan Freeman (Mitch), el cual está muy enfermo debido al ataque de un oso hara un año pero sigue sonriendo a la vida incluso a pesar de sus terribles dolores y su incapacidad para caminar correctamente. Einar (Redford) es quien quizás debe cambiar más, un personaje absolutamente apartado y atormentado por la pérdida de su hijo, que aún no ha aceptado y debe aprender a perdonar y comerse su orgullo. Gracias a su nieta, comprenderá que no debe culpar de por vida a alguien por lo que pasó.

En cuanto a Jean (Jennifer López) es una mujer maltrada por los hombres que huye con su hija para empezar de nuevo. Su papel está interpretado de una forma bastante convincente. Y al fin le dan un papel que no sea de suramericana o similares, bravo por Lasse. Ver ese inicio oscuro, con una buena interpretación por parte de López y su pareja Gary, un tipo obsesivo y peligroso.

El resto de actuaciones son buenas, sobretodo las de Morgan Freeman y Robert Redford que son prácticamente perfectas. Ambos siempre me han parecido excelentes actores y el segundo a parte un excelente director.

Por último, decir que es un film no muy conocido pero que resulta muy agradable de ver, como toda la filmografía de Hallström, que dice muchas verdades, cuenta con unas interpretaciones destacables, una banda sonora simplemente preciosa, una fotografía cuidadisima y un aroma a clásico que le dota un cierto nivel al film.

Lasse Hallström dice que si en un film suyo su nombre aparece bien escrito, es decir, con la diéresis en la o, significa que está orgulloso del producto final. Éste es el caso.

Un film sin excesivas pretensiones, bien rodada y sobretodo honesta y respetuosa con el espectador.

'Estación central de Brasil' - Walter Salles (1998)

A veces un film pequeño y con imaginación es muy superior a cualquier superproducción millonaria, y este es el caso. Un film espléndido hecho con cabeza y corazón, con una historia que une ternura con realidad de forma muy sabia. Walter Salles nos regala una de las mejores peliculas del año 1998 y sin dudarlo, una de las cumbres del creciente cine brasileño y por extensión suramericano.

Estación central de Brasil, se podria resumir en 3 frases. Un niño en busca de su padre. Una mujer en busca de amor. Un país en busca de sus raíces. El film brasileño atesora una calidad simplemente abrumadora, y Salles nos ofrece una atípica road movie muy del estilo de la posterior El verano de Kikujiro de Takeshi Kitano, con unos personajes carismáticos y llenos de frases inteligentes.

Dora (Fernanda Montenegro), una mujer madura que vive de las pequeñas estafas que realiza fingiendo escribir cartas de encargo, se ve obligada a hacerse cargo de un niño, cuya madre muere atropellada en la misma puerta de la estación Central de Río de Janeiro. Tras una intentona fallida de deshacerse del pequeño Josué (Vinicius Oliveira), Dora será la encargada de acompañarle por todo Brasil al encuentro de su padre. Las experiencias que acumulan a lo largo de días y kilómetros de penurias les unirán en una relación de afecto muy particular.

La película es sin duda una búsqueda por la felicidad tan ansiada y dificilmente hallada, por todos y cada uno de los personajes. Por un niño que ansia conocer a su padre, a un padre idealizado por él al cual se agarra como única esperanza de sobrevivir, por una mujer derrotada por la vida, la cual lleva una mascara de intolerancia y odio para ocultar su inmensa tristeza y vacío, un hombre que huye del compromiso y abandona a una mujer perdida,...

Un viaje para la ilusión de volver a empezar, de segundas oportunidades, que da a ambos lo mismo de igual forma y que guardarán en su memoria para siempre.

 

 

Josué es un niño temperamental, con un carácter marcado, y Dora es alguien igual, que no muestra cariño y que lo trata inicialmente casi como si de un adulto se tratara. Con el tiempo existirá un relación de amistad y cariño magnífica y ambos se sabrán valorar en su justa medida.

En un inicio, se nos presenta a una mujer Dora, la cual se encarga de escribir cartas en la estación a pobres personas que no saben escribir, algunas de esas cartas son tremendamente importantes, pero ella lo único que quiere es el dinero. Luego las tira o se rie de ellas, básicamente se podría decir que juega con los sentimientos de la gente. Si vienen a preguntarle dice que las ha enviado y que si no reciben respuesta ella no se responsabiliza y asi cobra de nuevo por enviar más cartas que con casi total seguridad lanzará a la basura.

Un dia viene una mujer con su hijo y quiere que le escriba y le envie una carta a su marido, dicha mujer un dia muere al lado de la estación y el niño vaganbundea por ella los días posteriores. Dora decide hacerse cargo del niño, pero su retorcida mente solo piensa en dinero y es capaz de venderlo a una red de menores, algo lamentable y que nos indica claramente la calaña a la que pertenece dicha mujer.

Arrepentida al dia siguiente, vuelve al lugar donde le vendió y se lo lleva corriendo. Asustada y amenazada de muerte decide huir de la ciudad y emprender un viaje con Josué en busca de su padre. un viaje que cambiará a ambos.

 

Primeramente se llevan fatal, y Josué no la quiere y le da asco por lo que ha hecho, pero poco a poco irán congeniando y entendiéndose. Josué comprenderá que todo ese odio y mal humor que ve en Dora es producto de una vida llena de decepciones, fracasos, vacío emocional e insatisfacción.

Durante el trayecto y tras perder el autocar, conocen a un camionero que les lleva durante gran parte del recorrido. Dora hace grandes migas con él hasta que un dia en un bar con una sola mirada y cogiéndole de las manos le expresa visualmente sus sentimientos hacia esa persona. Recalcar que él es alguien que renegaba de que en su vida habría conocido a muchas personas y con las cuales habia logrado una gran amistad pero con el tiempo se perdia y se quedaba en nada y que todo ello le dolía.

Al volver del lavabo Dora, tras haberse arreglado y pintado tras años sin haberlo hecho, él ha desaparecido, solo ve a Josué al lado del futbolin. Ver esa escena en donde Dora mira tras la ventana del bar como el camión desaparece en la carretera entre grandes nubes de polvo. Una imagen desgarradora de una mujer condenada a la soledad y al rechazo. Fernanda Montenegro está espléndida en esta escena.

 

Tras ello proseguirán el viaje, con algunas alegrias y otras decepciones, un viaje más largo de lo que a priori parecía, y que será recordado por ambos como algo increíble e imborrable en sus vidas.

¿Quién no se ha emocionado con el final de Estación central de Brasil? Con esa última carta de Dora a Josué, con su faena realizada que era llevarle con su familia y sin duda Dora en lágrimas por haber abierto al fin su duro y castigado corazón.

La dirección de Walter Salles es ejemplar, sin duda de los mejores directores de la actualidad, recordemos que ha supervisado maravillas como Ciudad de Dios y dirigido esa enorme película que debería ser más recordada como es Diarios de Motocicleta. Un muy buen director. Junto a Fernando Meirelles el mejor de Brasil. Un acierto claramente suyo es en los créditos finales incluir todas esas cartas que se perdieron y que merecen ser oidas. Magnifico.

Las actuaciones son maravillosas. Una actriz de teatro como Fernanda Montenegro nos regala algo único, una actuación tan sincera y profunda que hasta llega a emocionar, fabulosos registros tiene su gran personaje en donde es capaz de ser alguien dura e inhumana a alguien que las circunstancias hacen que deje pasar esa bondad que lleva dentro y que la vida ha cerrado el paso. En cualquier escena está increible, en el final, ante la ventana del bar, ante el espejo mientras decide pintarse los labios, .... Soy fan de esta mujer, su trabajo me parece simplemente de oscar. Estuvo nominada al oscar a mejor actriz muy merecidamente. El film ganó el globo de oro a la mejor película extranjera, el BAFTA a mejor film extranjero, arrasó en el Festival de Berlín con 3 de los premios más importantes, incluido el oso de oro, el César al mejor film extranjero, inmuerables nominaciones y premios por festivales y demás para el film, su director y Fernanda Montenegro.

 

El resto, geniales también, sobretodo Vinicius Oliveira, interpretando el rol del niño, Josué, un papel con multitud de cambios de personalidad y consigue expresar tanto realismo que juraria que ese chico tiene mucho futuro como actor.

Fotografía, música, edición, ambientación y demás , conseguidos. Sobretodo la música que es excelente y la fotografía que es fantástica.

Si hay algo muy destacable de Central Do Brasil, es su final, esa carta que escribe Dora a Josué, la única carta sincera que no va a romper y que escribe con el corazón, aquí os la dejo:

"Josué,

Hace mucho tiempo que no le mando una carta a nadie, ahora te mando ésta a tí.

Tienes razón, tu padre aparecerá y seguramente es tal como tu dices que es.

Recuerdo cuando mi padre me llevaba en la locomotora que él conducía, permitía que una cría como yo tocara el silbato del tren durante todo el viaje.

Cuando recorras las carreteras con tu enorme camión, espero que recuerdes que yo fuí la primera persona que te hizo poner las manos en un volante.

Será mejor para ti quedarte con tus hermanos. Te mereces mucho, mucho más de lo que yo podría darte.

Cuando quieras acordarte de mi, mira la pequeña foto que nos hicimos juntos. Te lo digo porque tengo miedo de que algún día tú también me olvides.

Echo de menos a mi padre. Echo de menos todo.

Dora"

 

Dora parte de nuevo de viaje pero ahora con una sonrisa en la cara y con el traje que le regaló Josué, también con lágrimas por tristeza pero también por primera vez en mucho tiempo por alegria y satisfacción.

Muchos dirán que solo es una buena película, pero no, es mucho más que eso. Es más que una gran película, es una obra maestra, y no tengo dudas.

Sutil, elegante, emotiva, sencilla, pequeña pero grandiosa por su mensaje y ante todo, muy muy sincera y honesta. Una pelicula sobre la vida. No os la perdáis.

Monster's Ball - Marc Forster (2001)

Como esta noche se pasa por la 2 este gran film, aquí os dejo mi critica y recordad, no os la perdáis.

 

En la línea de la posterior Lost in translation de Sofía Coppola aunque solo en algunos aspectos de la 2ª mitad del film de Forster (salvando las distancias claro), Monster’s Ball nos cuenta una historia dura, sobre unos personajes perfectamente construidos y definidos que viven en la más grande de las míseras humanas. Hank (Billy Bob Thornton) es un funcionario de prisiones que trabaja en el corredor de la muerte, allí también trabaja su hijo (Heath Ledger).

 

El padre de Hank (Peter Boyle) es un ser despreciable, racista, con prejuicios y que con su educación y sus modales ha destrozado la vida de toda esa familia. Ha inculcado el odio a los negros, la falta de respeto a su madre y a las mujeres en general, etc… Su influencia ha sido devastadoramente negativa tanto en Hank como en su nieto. Las consecuencias serán irreversibles.

 

Por otro lado, nos encontramos con Leticia (Halle Berry), cuyo marido está a punto de morir en el corredor de la muerte, y que justamente se encargará de ejecutar el proceso Hank e hijo entre otros, aunque ella no lo sabe. Leticia tiene un hijo, al que la ausencia de su padre le ha sumergido en su mundo en donde solo sabe comer chocolatinas, llegando a un estado de obesidad tremendamente preocupante.

 

El film en cuestión trata del reencuentro a sí mismos, de la búsqueda de la felicidad, de la amistad, del perdón, de la pena de muerte, del racismo, de los prejuicios, del amor verdadero, de dolor por una pérdida. Y todo eso, hilvanado en un guión perfecto que Forster dirige con sobriedad y con ello hace que el film deje respirar a la historia. A ello también ayuda las actuaciones que son espectaculares.

 

Se dice que es una película oscura, quizás demasiado. La historia no niego que sea trágica pero a medida que avanzan los minutos nos damos cuenta de que todo va llegando a buen cauce a pesar de las dificultades.

La actuación de Billy Bob Thornton es comedida, profunda, inteligente, en definitiva asombrosa y merecedora de oscar, y al nivel de su actuación en El hombre que nunca estuvo allí de los hermanos Coen, incluso mejor. Uno de los mejores actores en la actualidad. Dicho año merecía ser nominado por los 2 films.

Halle Berry está mejor que nunca pero aún así, pienso que otra actriz lo hubiera incluso podido hacer mejor. Pero merece todos los aplausos porque es una increíble actuación también. Ganó en la Berlinale.

Los demás, tanto Boyle como Ledger (sorprendentmente en el caso del último) están fantásticos.

 

Otra cosa que veo acertadísima es el título del film que hace referencia a la última noche de un condenado a muerte. Porque es como una metáfora, los personajes del film están condenados ya sea por sus ideas, por sus actos,… tienen ellos mismos que salir y reencontrarse.

 

Hay personajes que ya no tienen solución, han cogido el camino del mal y no pretender apartarse de él. En cambio otros, que sí quieren, ayudándose mutuamente, a pesar de no tener nada y de haber perdido a todo lo que más querían siguen ahí, luchando aunque solo sea por ellos. Intentándose perdonar por sus errores pasados. La influencia puede hacer mucho daño, y en este film se puede comprobar. El padre de Hank convirtió a éste a una imagen y semejanza de quien realmente quería que fuera, apartándole de su madre y de todo lo que le podía haber inculcado ella.

El perdón y la compasión son elementos claves en la historia. Con ello no quiero decir que sea un film de lágrima fácil o algo así, es totalmente lo contrario, se aparta de ese prototipo y siempre se centra en la historia sin en ningún momento intentar manipular o infravalorar la inteligencia del espectador.

 

Y eso ya dice mucho del film. Para mí, la mejor escena del film es la escena final. Una escena de una inteligencia y una elegancia formidable.

Leticia ya sabe lo que le ocultaba Hank, aunque éste no es que se lo ocultara, sencillamente es que no serviría de nada explicárselo porque ya no había vuelta atrás. Ella al enterarse llora y está confusa, al llegar él con los helados y salir al patio a mirar las estrellas, se da cuenta de que lo ha perdido todo, echa un vistazo y ve las tumbas y con eso tb recuerda que él lo ha perdido todo. Entonces reflexiona si merece la pena perder lo único que le queda o pasar de largo y alegrarse de haberle encontrado. Porque en el fondo ambos se están rescatando de su particular infierno.

 

La aceptación de la cuchara de helado de Leticia a Hank es uno de los "Te perdono" más bellos de la historia del cine. Y es que en el fondo, nada merece la pena para caer en el odio o en el rencor. Con ese plano del cielo estrellado acaba este film redondo. Un final sin apenas dialogos, pero sus miradas dicen más que cualquier palabra. Impecable final.

La realización de Forster es impresionante, para ser su primer film en serio, denota tener un control fílmico a la altura de muy pocos. Planos muy bien rodados y teniendo muy en cuenta el encuadre. La fotografía no se queda atrás, vaya joya. Atención a los créditos iniciales, con ese uso tan inteligente de los colores, jugando con la sombra del ventilador de techo, y la sobreexposición de imágenes en movimiento. Además cualquier escena nocturna ya sea dentro de un habitáculo o en un coche, está fotografiada de lujo.

La música no se queda atrás. Nos recuerda al mejor Cliff Martínez de Traffic. Uno ve las imágenes del film con la música de Asche & Spencer, sobretodo el tema Resignation, y no puede obviar que estamos ante algo de cómo mínimo calidad.

 

Sinceramente no entiendo como se la marginó en los oscars con tan solo 2 nominaciones, me parece una de las mejores películas de aquel año y de muchos. Algunos han opinado que es algo lenta, yo creo que no es así. Recordemos que es un film totalmente independiente, hecho con un presupuesto bajísimo, pero con mucha imaginación y un casting de lujo que bajó sus pretensiones económicas mucho. Su duración no es excesiva y el ritmo está bien llevado por tanto no creo que sea muy lenta, eso sí, no es tan rápida como algunas películas de acción lógicamente y tiene un montaje al estilo clásico y que es de agradecer.

 

En fín, Monster’s Ball es una de las películas más inteligentes y bien realizadas que he visto en mucho tiempo. Es un canto a la esperanza desde lo más profundo de las tinieblas, una historia que sobretodo es real y nos hace involucrarnos en ella y en sus personajes y eso es impagable.

 

Cualquier cosa puede hacerte cambiar la vida y puede ocurrir en cualquier momento. En un instante ya no eres el que eras. Eso es Monster’s Ball.

 

'Match Point' - Woody Allen (2005)

Obra mayor. Eso es lo que es Match Point dentro de la filmografía de Woody Allen. Una película sumamente inteligente y quizás atípica si miramos trabajos anteriores del director.

Un film sobre el juego de la vida, sobre su azar. Sobre la importancia de dar un buen o mal paso en tu vida, sobre el papel esencial de la suerte en nuestras vidas, sobre la fina línea de una red que separa lo bueno de lo malo, la suerte del fracaso. No llega a extremos absolutamente maestros como nos presentaba el azar Paul Thomas Anderson en su monumental Magnolia, pero aún así estamos ante posiblemente una de las mejores películas del año. Si hay justícia debería estar nominada a unos cuantos oscars.

Una película ante todo valiente en los tiempos que corren, ya era hora que el bueno de Woody se arriesgase. Enhorabuena campeón jeje. Bueno, de hecho, creo que su cambio a mejor empezó ya con Melinda & Melinda una estupenda película que yo la califico de "película dual y complementaria", son 2 peliculas en 1, con dialogos algo complementarios y una dirección sencilla pero sólida. De dicha película, a recordar la genial creación doble de Radha Mitchell (oscar para ella ya ! xD), que ya estaba estupenda en Man on fire por ejemplo.

Volviendo a Match Point, Allen nos ofrece un relato sobre el poder de la pasión unida a la obsesión. ¿Mantener una vida segura pero infeliz, o jugarsela?. La metáfora del juego en el film está presente siempre, y eso la hace especial.

Que él sea jugador no es casual, .. ¿Porque los mejores jugadores van a saber afrontar todos sus "partidos"? A veces el mejor es a la vez el peor, a veces la suerte del ganador se convierte en tu ruina personal, a veces el corazón no existe y depende tanto del azar de la vida que el amor se transforma en horror.

Match Point es una jugada sobre la vida, es un saque que no sabes si pasará la red o no, una red que separa la normalidad de la anormalidad, lo racional de lo irracional, la bondad de la locura.

Woody Allen sinceramente vuelve a entregarnos una obra rica en detalles, en momentos dignos de reservar en nuestra memoria ya sea por su quizás no aparente profundidad, por su plasmante realismo, por la belleza de su simpleza.

Desde que Allen rueda en UK todo le va mejor, ya pasó con Melinda & Melinda que era una buena película, pero permitanme decirlo, Match Point es lo más cercano a una obra maestra.

Allen siempre ha sido un extraordinario director de actores y en esta ocasión no iba a ser menos. Impresionantes están Jonathan Rhys-Meyers y Scarlett Johansson y muy convincentes.

Sobre el final ,de hecho, creo que el protagonista tuvo mala suerte dentro de la buena suerte.

El castigo de la conciencia es mucho mayor, así, que que el anillo no pasará la barra/red es una excelente metáfora de punto perdido, y muchos dirán... No, porque luego se lo encuentra otro que es un ladrón y es a quien acusan y él se queda inmpune, cierto... pero sigue siendo un punto perdido.

En el fondo será un desgraciado toda su vida atormentado por su conciencia, aún teniendo família e hijos, ¿Hay algo peor que eso?.

 

Es mi opinión, y bravo a Woody Allen porque se aparta del resto de su filmografía y por fin hace una obra mayor como esta dentro de sus últimamente anteriores films menores y algo mediocres, a excepción de Melinda & Melinda que es estupenda claro.

Una joya que estoy seguro que muchos infravalorarán.