Anatomía de una escena #1

En este apartado intentaré explicar algunas de las mejores escenas del cine.

Empezaremos por Sunrise (Amanecer) de F. W. Murnau. En concreto, la escena del encuentro entre George O’Brien y Margaret Livingston.

La escena se inicia con un plano secuencia en donde la cámara sigue al personaje de George O’Brien a través del bosque.

Murnau nos presenta una noche oscura, como si algo oscuro y siniestro debiera ocurrir.

 

Sigue el plano secuencia, únicamente variando el ángulo de detrás a lateral.

 

En este plano siguiente deja fuera de plano momentáneamente a G. O’Brien (indicando que claramente algo se encuentra cerca de él) y pasamos a la cámara subjetiva , vaya en primera persona (por cierto una filmación sabiamente utilizada en films como Dark Passage).

 

La amante (Margaret Livingston) espera a su amado ansiosa a la luz de la luna en una noche dificil. En esa orilla se encontrará con el personaje de O’Brien.

 
A partir de aquí se acaba el plano secuencia. El encuentro entre ambos, era esperado, como puede verse en los 2 siguientes fotogramas.

 

 

Pero la amante le propone un macabro plan que desata la ira del personaje de O’Brien, y que acaba convirtiéndose o más bien confundiéndose con deseo y sexo, como puede verse en la siguiente toma.

 

Tras ello, la amantele explica como seria su vida juntos si consiguiera acabar con su mujer, llena de aventuras y que vivirían en la ciudad. Murnau nos ofrece esa visión con una excelente sobreimpresión de imagenes de la ciudad, como puede verse en la captura siguiente. Ellos 2 en el prado estirados y en el cielo lleno de imagenes urbanas nocturnas sobreimpresionadas.

La escena acaba con este maravilloso y precioso fotograma con una excelente fotografía. Una noche que se ha hablado de algo siniestro, pero.... realmente ocurrirá? Realmente el personaje de O’Brien se atreverá a ahogar a su mujer y simular un accidente? Merece la pena perder una familia solo por el deseo? Véanla !

Estamos ante una escena fantástica llena de sabiduría filmica por parte de un grande como fue Murnau. Sunrise (Amanecer) no solo es una de las grandes películas mudas de siempre sino que además es una obra maestra del cine.

Fotogramas #3

¿Puede una sola mirada transmitir tanto sentimiento?

King Kong - Peter Jackson (2005)

Monster's Ball - Marc Forster (2001)

Como esta noche se pasa por la 2 este gran film, aquí os dejo mi critica y recordad, no os la perdáis.

 

En la línea de la posterior Lost in translation de Sofía Coppola aunque solo en algunos aspectos de la 2ª mitad del film de Forster (salvando las distancias claro), Monster’s Ball nos cuenta una historia dura, sobre unos personajes perfectamente construidos y definidos que viven en la más grande de las míseras humanas. Hank (Billy Bob Thornton) es un funcionario de prisiones que trabaja en el corredor de la muerte, allí también trabaja su hijo (Heath Ledger).

 

El padre de Hank (Peter Boyle) es un ser despreciable, racista, con prejuicios y que con su educación y sus modales ha destrozado la vida de toda esa familia. Ha inculcado el odio a los negros, la falta de respeto a su madre y a las mujeres en general, etc… Su influencia ha sido devastadoramente negativa tanto en Hank como en su nieto. Las consecuencias serán irreversibles.

 

Por otro lado, nos encontramos con Leticia (Halle Berry), cuyo marido está a punto de morir en el corredor de la muerte, y que justamente se encargará de ejecutar el proceso Hank e hijo entre otros, aunque ella no lo sabe. Leticia tiene un hijo, al que la ausencia de su padre le ha sumergido en su mundo en donde solo sabe comer chocolatinas, llegando a un estado de obesidad tremendamente preocupante.

 

El film en cuestión trata del reencuentro a sí mismos, de la búsqueda de la felicidad, de la amistad, del perdón, de la pena de muerte, del racismo, de los prejuicios, del amor verdadero, de dolor por una pérdida. Y todo eso, hilvanado en un guión perfecto que Forster dirige con sobriedad y con ello hace que el film deje respirar a la historia. A ello también ayuda las actuaciones que son espectaculares.

 

Se dice que es una película oscura, quizás demasiado. La historia no niego que sea trágica pero a medida que avanzan los minutos nos damos cuenta de que todo va llegando a buen cauce a pesar de las dificultades.

La actuación de Billy Bob Thornton es comedida, profunda, inteligente, en definitiva asombrosa y merecedora de oscar, y al nivel de su actuación en El hombre que nunca estuvo allí de los hermanos Coen, incluso mejor. Uno de los mejores actores en la actualidad. Dicho año merecía ser nominado por los 2 films.

Halle Berry está mejor que nunca pero aún así, pienso que otra actriz lo hubiera incluso podido hacer mejor. Pero merece todos los aplausos porque es una increíble actuación también. Ganó en la Berlinale.

Los demás, tanto Boyle como Ledger (sorprendentmente en el caso del último) están fantásticos.

 

Otra cosa que veo acertadísima es el título del film que hace referencia a la última noche de un condenado a muerte. Porque es como una metáfora, los personajes del film están condenados ya sea por sus ideas, por sus actos,… tienen ellos mismos que salir y reencontrarse.

 

Hay personajes que ya no tienen solución, han cogido el camino del mal y no pretender apartarse de él. En cambio otros, que sí quieren, ayudándose mutuamente, a pesar de no tener nada y de haber perdido a todo lo que más querían siguen ahí, luchando aunque solo sea por ellos. Intentándose perdonar por sus errores pasados. La influencia puede hacer mucho daño, y en este film se puede comprobar. El padre de Hank convirtió a éste a una imagen y semejanza de quien realmente quería que fuera, apartándole de su madre y de todo lo que le podía haber inculcado ella.

El perdón y la compasión son elementos claves en la historia. Con ello no quiero decir que sea un film de lágrima fácil o algo así, es totalmente lo contrario, se aparta de ese prototipo y siempre se centra en la historia sin en ningún momento intentar manipular o infravalorar la inteligencia del espectador.

 

Y eso ya dice mucho del film. Para mí, la mejor escena del film es la escena final. Una escena de una inteligencia y una elegancia formidable.

Leticia ya sabe lo que le ocultaba Hank, aunque éste no es que se lo ocultara, sencillamente es que no serviría de nada explicárselo porque ya no había vuelta atrás. Ella al enterarse llora y está confusa, al llegar él con los helados y salir al patio a mirar las estrellas, se da cuenta de que lo ha perdido todo, echa un vistazo y ve las tumbas y con eso tb recuerda que él lo ha perdido todo. Entonces reflexiona si merece la pena perder lo único que le queda o pasar de largo y alegrarse de haberle encontrado. Porque en el fondo ambos se están rescatando de su particular infierno.

 

La aceptación de la cuchara de helado de Leticia a Hank es uno de los "Te perdono" más bellos de la historia del cine. Y es que en el fondo, nada merece la pena para caer en el odio o en el rencor. Con ese plano del cielo estrellado acaba este film redondo. Un final sin apenas dialogos, pero sus miradas dicen más que cualquier palabra. Impecable final.

La realización de Forster es impresionante, para ser su primer film en serio, denota tener un control fílmico a la altura de muy pocos. Planos muy bien rodados y teniendo muy en cuenta el encuadre. La fotografía no se queda atrás, vaya joya. Atención a los créditos iniciales, con ese uso tan inteligente de los colores, jugando con la sombra del ventilador de techo, y la sobreexposición de imágenes en movimiento. Además cualquier escena nocturna ya sea dentro de un habitáculo o en un coche, está fotografiada de lujo.

La música no se queda atrás. Nos recuerda al mejor Cliff Martínez de Traffic. Uno ve las imágenes del film con la música de Asche & Spencer, sobretodo el tema Resignation, y no puede obviar que estamos ante algo de cómo mínimo calidad.

 

Sinceramente no entiendo como se la marginó en los oscars con tan solo 2 nominaciones, me parece una de las mejores películas de aquel año y de muchos. Algunos han opinado que es algo lenta, yo creo que no es así. Recordemos que es un film totalmente independiente, hecho con un presupuesto bajísimo, pero con mucha imaginación y un casting de lujo que bajó sus pretensiones económicas mucho. Su duración no es excesiva y el ritmo está bien llevado por tanto no creo que sea muy lenta, eso sí, no es tan rápida como algunas películas de acción lógicamente y tiene un montaje al estilo clásico y que es de agradecer.

 

En fín, Monster’s Ball es una de las películas más inteligentes y bien realizadas que he visto en mucho tiempo. Es un canto a la esperanza desde lo más profundo de las tinieblas, una historia que sobretodo es real y nos hace involucrarnos en ella y en sus personajes y eso es impagable.

 

Cualquier cosa puede hacerte cambiar la vida y puede ocurrir en cualquier momento. En un instante ya no eres el que eras. Eso es Monster’s Ball.

 

Fotogramas #2

Hoy, una de esas escenas que ya son míticas en la historia del cine. La escena entre un extraordinario Joe Pesci y el gran Ray Liotta en una de las obras maestras de Scorsese: Uno de los nuestros (Goodfellas). Como pasar de un ambiente festivo a uno tenso y lleno de suspense en apenas minuto y medio. Qué grande es Joe Pesci !!

Tommy deVito (TdV) -> Joe Pesci
Henry Hill (HH) -> Ray Liotta

TdV: Veréis chicos, lo que realmente tuvo gracia fue aquel golpe en el banco de Secaucus.
Estaba echado en la hierba, se me acerca uno y me dice: ¿Qué haces? y yo digo: Descansando ¿Descansando aquí? como si estuvieras en la playa o en un parque. ¿Me tomas por gilipollas? ¿Es que no puedo descansar o que?
Bueno, pues me trincaron y empezaron a hacerme preguntas, que si esto que si aquello, querían que soltará la lengua a fondo.
¿Qué iba a decirles? No sé nada en absoluto. ¿Hablar yo? Una mierda.
El que manda me dice hoy vas a cantar de plano. Yo le digo, está bien, te diré algo: Vete a joder a tu madre. [risas]
Luego me cae una lluvía de golpes pim pam pum.
Bueno, ya me vistéis en el periódico, tenía la cara hinchada como un globo de verdad.
De modo, que cuando recuperé el sentido resulta que me encuentro de nuevo frente a ese cabrón de mierda que me dice: ¿Vas a hablar ahora cabrón?, y le digo: ¿Pero que haces aquí?, ¿no te dije que fueras a joder a tu madre?. [risas] Creí que me mataba. [risas]
Cabrones! me dejaron como un tomate maduro.

HH: Increíble, en esos momentos eres gracioso, muy gracioso.

TdV: ¿Qué insinuas?... Di.

HH: Pues nada, esa historia tiene mucha gracia, eres un tipo gracioso

TdV: ¿Porque lo dices? ¿Por la forma en que hablo? uhhh?

HH: Sí, claro. Eres gracioso. Me refiero al modo en que cuentas las cosas.

TdV: ¿Gracioso por qué? ¿Qué tengo de gracioso?

Anthony: Vamos, Tommy, no le interpretes mal

TdV: Eh espera Anthony, es mayorcito, sabe lo que dice, contesta,.. ¿Gracioso porqué?

HH: Yo....

TdV: ¿Qué...?

HH: Yo solo he dicho que eres gracioso

TdV: Vamos a ver si lo entiendo, porque quizás estoy algo bebido. Sí, es posible, pero ¿como soy de gracioso? ¿Quizás como un payaso de circo?.
Te hago reir, crees que estoy aquí para divertirte. Bueno, ¿porque soy gracioso? ¿qué tengo de gracioso?

HH: No sé.... es por como cuentas las cosas ya sabes

TdV: No, no, yo no lo sé, lo dices tú. Tú eres el que dices que soy gracioso.
¿Porque demonios soy gracioso? Vamos !! que coño tengo de gracioso eh?
Dime !! ¿qué tengo de gracioso?

[momento silencioso y tenso]

HH: Oye,.. no bromees conmigo, Tommy.

TdV: Será cabrón, me ha descubierto, casi se la pego. Habéis visto como tartamudeaba. [risas]
¿A qué estaba temblando? [risas] A veces no sé que pensar de tí Henry, seguro que no aguantarías un interrogatorio [risas]


Magistral escena para una de las grandes películas de la historia.

 

Goodfellas - Martin Scorsese (1990) 

'Around the world in 80 days' - M. Anderson (1956)

El cine de aventuras casi siempre nos ha dado o bien alegrias o bien bodrios considerables. Desde luego, el cine de aventuras de antaño no es el de hoy en día. Hoy en dia abunda la estupidez en este tipo de producciones, en cambio hace años eran autenticas maravillas los films de aventuras que además de entretener enseñaban cosas.

Ese es el caso de La vuelta al mundo en 80 días (Around the world in 80 days), basada en el clásico literario de Julio Verne, y realizada por Michael Anderson con una asombrosa sobriedad y que nos ofrece un autentico espectáculo lleno de color y entretenimiento del bueno.

Me considero un fanático del buen cine de aventuras (solo del buen) porque nos permite dejarnos llevar una serie de horas a unos lugares descritos en el film y simplemente disfrutar sin más, siempre, claro está, con una minima seriedad por parte de guión.

La pelicula la consideraria como un film de aventuras ejemplar, lleno de emoción y entretenimiento y sin duda como un disfute para los ojos ver todos esos lugares del mundo y todo tan bien rodado y fotografiado.

Posiblemente este film sea uno de los films de aventuras más infravalorados y seguramente sea por haber ganado el oscar al mejor film en el año 56, cuando, en mi opinión ni mucho menos lo merecia habiendo films de calidad muy superior como Gigante de George Stevens o Los Diez Mandamientos de Cecil B. DeMille. Pero es un gran film de entretenimiento, y es que no solo jamás aburre sino que cuando finaliza el film da la sensación de haber contemplado un espectáculo de una superproducción ejemplar y dinámica. Ojalá se hiciesen superproducciones de aventuras hoy en dia como esta.

Pero no todo iban a ser flores, hay algunos aspectos que podrian haberse pulido (y bastante) como la imagen que se quiere dar de los españoles o los americanos, generalizando a más no poder, lo que me lleva a decir que la incultura está al poder, pero bueno, en todo film de aventuras se debe dar un margen algo decente de credibilidad aún a sabiendas de que no es asi. Es un film de ficción y no pretende para nada reflejar la realidad exactamente. Así hay que tomarse dicho film.

A parte de la comentada y exquisita fotografía en color obra del genial Lionel Lindon, por la que se llevó el oscar, tenemos también una pegadiza banda sonora que por momentos alcanza cotas memorables. El score lo compuso Victor Young, por el cual también obtuvo la estatuilla dorada. En cuanto al diseño de producción era fantástico, ya sea vestuario, dirección artistica, etc...

 

Los actores, en general bien, sin más. David Niven, repite (una vez más) su papel clásico de galán inglés, ahora interpretando a Willy Fogg. Un actor que aún sin ser espectacular, siempre demuestra su talante ante la cámara. Luego tenemos a Cantinflas, al cual no solo considero un excepcional actor ya sea comedia o no (véanse sus numerosas y memorables actuaciones en los films mexicanos) sino un absoluto artista completisimo, capaz de torear, bailar, hacer juegos malabares, etc.. Un actor único con un sentido del humor irrepetible. Y para acabar con los actores más famosos tenemos a una casi testimonial (por el corto papel hablado que tiene en mi opinion) Shirley MacLaine en un papel que no le va demasiado pero bueno. Sin olvidarnos claro de ese genial (y tristemente semidesconocido por una mayoria) actor Trevor Howard, o Charles Boyer.

Atención también al carrusel de cameos de actores y actrices de categoria: Frank Sinatra, Marlene Dietrich, Buster Keaton o John Carradine entre otros.

A recordar son los titulos de crédito finales, una maravillosa obra de arte sin duda y que sirven para presentar de una forma original a los personajes que han circulado por el film. Otra cosa destacable, diria que muy destacable, es la introducción al film con escenas del cine de Melies. Fantástico inicio.

Quizás la película aquí criticada no sea ni mucho menos una obra maestra ni una colosal película pero si es un muy buen y estimable film que sin duda es un referente en el cine de aventuras. Lo encuentro tremendamente exagerado que este film haya ganado 5 oscars ya que en mi humilde opinión Los 10 mandamientos de DeMille es muy superior y Gigante (aún ser bastante pesada) también.

No puedo acabar esta crítica sin recomendar encarecidamente que os hagáis con el dvd distribuido por Warner Bros, en una edición especial de 2 discos llenos de extras y con una remasterización fantástica tanto de imagen como de sonido.

Buen cine de aventuras y un disfrute para los sentidos.

'Lee Dae-ro, can't die' - Lee Young-Eun (2005)

Lee Dae-ro, can’t die es el debut tras las cámaras de su director, un film que curiosamente tiene 2 nombres internacionales oficiales, Lee Dae-ro, can’t die y You can't die this way, y otro no del todo oficial: Short Time.

El film, como en muchísimos films coreanos actuales, toca cantidad de géneros y se pasa de uno a otro en cuestión de minutos. En mi opinión, los asiáticos tienen el don de hacer, a parte del consabido y exquisito cine de autor, un cine comercial fantástico, fresco y divertido, pero sobretodo, y lo que es más dificil y asombroso, es que saben hacer comedias, ya sean románticas o no, divertidas, originales (a veces) y que jamás aburren, y eso que yo no soy muy fan del cine de comedia.

Son los casos de My sassy girl, el clásico por excelencia de la comedia coreana que comentaré por aquí algún dia (es una de mis favoritas :P), Windstruck, y otras muchas como las japonesas Train Man o esa obra de culto Survive Style 5+ del genial Gen Sekiguchi.

En este caso, estamos ante un film que arranca fabulosamente, con un estilo visual muy novedoso, vamos lo que nos tienen acostumbrados los asiáticos últimamente (del cual gente tan "renovadora" como Tarantino se copia descaradamente). Tras unos primeros 30 minutos divertidos, llenos de acción y frikismo del bueno, cambia totalmente el film,.. pero totalmente, tirando hacia terrenos del drama dramón, con a veces toques melodramáticos, combinando cn la acción siempre sin abandonar la comedia pero mucho menos gamberra que la inicial.

¿Qué hubiera pasado si el tono inicial del film se hubiese mantenido? Pues seguramente que le pondría 3 estrellas, pero de todas formas la pelicula está bastante bien, visualmente es fantástica como casi todo film asiático actual, en cuanto a la factura muy bien, muy buena dirección (véanse los planos de cualquier parte de acción del film o el acceso de la policia a un edificio con un plano secuencia absolutamente brutal).

Los efectos digitales son otra joya a destacar de la cinta, tremendos en el plano secuencia (digital) del edificio.

He podido encontrar 2 claros homenajes a pelis, uno es a Matrix en la comentada escena del edifico, y el otro es (y no bromeo) a Gladiator, con un plano exactamente igual en inclinación de cámara y todo al de Ridley Scott. Me refiero a la escena de la mano de Máximo sobre el trigo.

El film, seamos claros, no es nada del otro mundo y se sabe que hay muchas mejores películas coreanas que esta, pero bueno, nos ofrece un rato divertido y tiene un look curioso y un humor gamberro, y eso hay que destacarlo !

Como he dicho anteriormente, al pelicula tiene un cambio radical tras la primera media hora aprox. Imaginaos un personaje (un poli) jeta, que siempre hace lo que quiere, que siempre usa mentiras para evadir su responsabilidad, que de repente, le digan una verdad y tenga que asumirla. Está enfermo de un tumor cerebral y morirá en 4 meses.

A partir de ahi, el film deja la acción de lado parcialmente para contarnos la búsqueda de un hombre de su mujer que no sabe donde está para que se haga cargo de su hija y la transformación de un hombre débil en un hombre que no tiene miedo a morir, sino que quiere que le maten para que asi su familia cobre la indemnización. Todo ello con mucho humor.

 

Las actuaciones muy cachondas xD, sobretodo el mejor de todos es el protagonista Lee Beom-Soo, un personaje con bastante cambios, y es un tipo la mar de divertido y jeta por momentos XD. Los del resto de la comisaria de policia, a cual más tonto ^^ me encanta el jefe que cuando no le gusta lo que dicen mete de hostias a quien lo ha dicho. Un hombre muy democrático.

Un film divertido, gamberro y ameno pero también algo triste y emotivo. Sin más, decir que no está mal y que me he reido un rato jeje.

'The Exorcism of Emily Rose' - S. Derrickson (2005)

El Exorcismo de Emily Rose supone un excelente homenaje a un figura tan olvidada pero no menos importante que Anneliese Michel, una mujer con un don divino cuyo sufrimiento intentó revivar la fe en todos nosotros.

El film de Derrickson, no solo es serio sino también bien documentado, con un buen guión y bastante fiel, dentro de lo que cabe, sabiendo lo que conlleva a veces el paso de la realidad a la ficción. A parte, el film se mueve entre 2 géneros, el judicial y el de terror, haciendo asi que el espectador no solo no se aburra sino que a la vez reflexione sobre estos fénomenos paranormales, lo considero un gran acierto haber presentado el film en este tipo de formato.

La película, en mi opinión, supone uno de los grandes aciertos cinematográficos de género del año. Rodada con sobriedad tanto las escenas terroríficas como las judiciales, con unas actuaciones soberbias y una música tremendamente eficaz.

No creo que la misión principal del film fuese aterrorizar o asustar al espectador, esta historia va mucho más allá. Una historia que lleva a la reflexión, a pensar si hay algo más, sobre alguien que decidió seguir con su camino lleno de sufrimiento solo por nosotros.

El film supone una lucha entre defender algo sobrenatural y religiosamente posible aunque por una mayoria increíble o por el contrario decir que fué por una negligencia de abandonar unos farmácos ya que los médicos le diagnosticaban epilepsia y psicosis. Eso es básicamente lo que se debate en el juicio.

Lo cierto es que se echaba en falta un film de género tan bien realizado e interesante como este, ya que durante el año tenemos que soportar inmurables peñazos de films supuestamos de terror que no hacen más que sacar de quicio o hacer que caigamos en una siesta. Pero este no es el caso.

Scott Derrickson se documentó bastante sobre el tema, leyendo libros, entrevistandose con curas que habian practicado algún exorcismo e incluso con el coguionista viendo algún video de alguno de ellos. Según sus palabras, nunca más volverá a leer sobre ello, leyó demasiadas cosas aterradoras.

El argumento del film se podria resumir en esto: Emily Rose (Jennifer Carpenter) era una adolescente normal hasta que empezó a ser víctima de terribles fenómenos demoníacos, que la torturaron y que llegaron a perturbar la vida de toda la ciudad. Pero ¿estaba la joven en realidad poseída, como muchos creían?

Durante su trabajo como abogada defensora del sacerdote que le practicó el exorcismo a Emily, la escéptica letrada (Linney) descubre que quizá sí existan poderosas fuerzas espirituales después de todo.

Las actuaciones son maravillosas, bajo mi punto de vista. Estoy harto de decir que Laura Linney es una de las grandes actrices de la actualidad, está asombrosa como siempre. No menos bien está Tom Wilkinson, haciendo de padre Moore, tanto en las escenas del juicio como en las del exorcismo. mención especial también como secundaria para Jennifer Carpenter como Emily Rose en un dificilísimo, duro y entregado papel.

 

No se queda atrás la genial música de Christopher Young, absolutamente tremenda para las escenas de más terror.

La autentica Emily Rose, se llamaba Anneliese Michel, y era alemana, a continuación os pondré un texto sobre el caso real todo ello sacado de la web Natural High: "Anneliese Michel nació en una pequeña ciudad alemana, Leibfling, en el seno de una familia católica de clase media.

En 1968, cuando tenía 16 años, la joven comenzó a sufrir ataques en los que era incapaz de controlar su cuerpo. En ese momento, se le diagnosticó la “epilepsia del Grand Mal”.

A medida que pasaba el tiempo los ataques se fueron haciendo cada vez más fuertes y, quizá debido a la fuerte religiosidad de su familia, Anneliese empezó a creer que estaba poseída por el demonio. Sus padres, Josef y Anna, al observar que la medicación que estaba tomando no le servía de mucho, decidieron llevarla a varios sacerdotes para solicitar un exorcismo. Sin embargo, estos sacerdotes no determinaron que aquello se tratara de una auténtica posesión, ya que no se daban ninguno de los factores necesarios para considerar como cierta tal situación, que son, según la Academia Pontificia Regina Apostolorum: "hablar en idiomas desconocidos, exhibir una fuerza física desproporcionada, manifestar repulsión por objetos sagrados y conocer hechos muy distantes en tiempo y espacio". Además, le recomendaron que siguiera con su tratamiento médico.

Atendiendo a las peticiones de la familia, el pastor Ernst Alt pidió un permiso oficial de la iglesia para realizar el exorcismo. Pero sólo obtuvo como respuesta la recomendación de que Anneliese siguiera una vida aún más religiosa para encontrar la paz espiritual. Curiosamente, poco después, Anneliese sufrió un empeoramiento en los ataques supuestamente epilépticos, y comenzó a comportarse de manera violenta: insultaba y golpeaba a sus familiares, destruía compulsivamente cualquier objeto religioso que se encontrara, comía insectos y carbón… Esto provocó que Josef Stangl, Obispo de Wurzburgo, ordenara finalmente un exorcismo en 1975 realizado por el propio pastor Alt y por el padre Arnold Renz, en sesiones que se prolongaron semanalmente hasta julio de 1976, que fue cuando la joven murió. Durante estas sesiones de exorcismo, Anneliese parecía estar poseída por varias almas: Caín, Judas Iscariote, Lucifer, Nerón o Adolf Hitler fueron algunos de los nombres con los que se identificaba la muchacha. Sus convulsiones eran tan fuertes durante el exorcismo que tenían que atarla a la cama y ser sujeta por tres personas. Decía que los demonios que llevaba dentro no le permitían comer, por lo cual el motivo final de su muerte fue el agotamiento, sumado a la neumonía que también padecía. Incluso llegó a romperse las rodillas debido a las 600 genuflexiones que realizaba durante las sesiones de exorcismo (esto se observa brevemente en El Exorcismo de Emily Rose). Antes de morir por inanición (según parece, la joven no hubiese muerto de haberse alimentado en las últimas semanas), se dice que la joven se giró hacia su madre y le dijo “Tengo miedo”, cayendo posteriormente inconsciente.

Tras la muerte de la joven, el 1 de Julio de 1976, sus padres y los dos exorcistas que llevaron a cabo las ceremonias, fueron acusados de homicidio negligente. A pesar de que la Iglesia negó después que Anneliese Michel estuviera realmente poseída, la leyenda en torno a la muchacha se hizo tan fuerte que llegaron a exhumar su cadáver en 1988 para ver si había seguido el proceso natural de descomposición."

Para acabar, estamos ante un buen film de género, interesante en lo que ofrece y en lo que nos hace reflexionar y que sin duda su mayor logro es sacar a la luz para muchos el caso de esta chica, entre muchos otros casos desconocidos por la multitud, que se podria decir que dió la vida por nosotros.

SPOILER ¿Existió realmente esa carta? , ¿Pudo ver y hablar con la virgen María?, ¿Estuvo realmente poseída por 6 demonios? FIN SPOILER

En nuestras manos queda creer o no, ahí radica lo bueno.

D.E.P. Emily / Anneliese.

'Match Point' - Woody Allen (2005)

Obra mayor. Eso es lo que es Match Point dentro de la filmografía de Woody Allen. Una película sumamente inteligente y quizás atípica si miramos trabajos anteriores del director.

Un film sobre el juego de la vida, sobre su azar. Sobre la importancia de dar un buen o mal paso en tu vida, sobre el papel esencial de la suerte en nuestras vidas, sobre la fina línea de una red que separa lo bueno de lo malo, la suerte del fracaso. No llega a extremos absolutamente maestros como nos presentaba el azar Paul Thomas Anderson en su monumental Magnolia, pero aún así estamos ante posiblemente una de las mejores películas del año. Si hay justícia debería estar nominada a unos cuantos oscars.

Una película ante todo valiente en los tiempos que corren, ya era hora que el bueno de Woody se arriesgase. Enhorabuena campeón jeje. Bueno, de hecho, creo que su cambio a mejor empezó ya con Melinda & Melinda una estupenda película que yo la califico de "película dual y complementaria", son 2 peliculas en 1, con dialogos algo complementarios y una dirección sencilla pero sólida. De dicha película, a recordar la genial creación doble de Radha Mitchell (oscar para ella ya ! xD), que ya estaba estupenda en Man on fire por ejemplo.

Volviendo a Match Point, Allen nos ofrece un relato sobre el poder de la pasión unida a la obsesión. ¿Mantener una vida segura pero infeliz, o jugarsela?. La metáfora del juego en el film está presente siempre, y eso la hace especial.

Que él sea jugador no es casual, .. ¿Porque los mejores jugadores van a saber afrontar todos sus "partidos"? A veces el mejor es a la vez el peor, a veces la suerte del ganador se convierte en tu ruina personal, a veces el corazón no existe y depende tanto del azar de la vida que el amor se transforma en horror.

Match Point es una jugada sobre la vida, es un saque que no sabes si pasará la red o no, una red que separa la normalidad de la anormalidad, lo racional de lo irracional, la bondad de la locura.

Woody Allen sinceramente vuelve a entregarnos una obra rica en detalles, en momentos dignos de reservar en nuestra memoria ya sea por su quizás no aparente profundidad, por su plasmante realismo, por la belleza de su simpleza.

Desde que Allen rueda en UK todo le va mejor, ya pasó con Melinda & Melinda que era una buena película, pero permitanme decirlo, Match Point es lo más cercano a una obra maestra.

Allen siempre ha sido un extraordinario director de actores y en esta ocasión no iba a ser menos. Impresionantes están Jonathan Rhys-Meyers y Scarlett Johansson y muy convincentes.

Sobre el final ,de hecho, creo que el protagonista tuvo mala suerte dentro de la buena suerte.

El castigo de la conciencia es mucho mayor, así, que que el anillo no pasará la barra/red es una excelente metáfora de punto perdido, y muchos dirán... No, porque luego se lo encuentra otro que es un ladrón y es a quien acusan y él se queda inmpune, cierto... pero sigue siendo un punto perdido.

En el fondo será un desgraciado toda su vida atormentado por su conciencia, aún teniendo família e hijos, ¿Hay algo peor que eso?.

 

Es mi opinión, y bravo a Woody Allen porque se aparta del resto de su filmografía y por fin hace una obra mayor como esta dentro de sus últimamente anteriores films menores y algo mediocres, a excepción de Melinda & Melinda que es estupenda claro.

Una joya que estoy seguro que muchos infravalorarán.