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Nocturne Cinéphage

'The New World' - Terrence Malick (2005)

'The New World' - Terrence Malick (2005)

Qué cojones tiene este tio !! Hacer cine de autor rotundo con presupuesto de superproducción... Lo siento por New Line Cinema que solo obtendrá posiblemente pérdidas con esta cinta, pero gracias por producir otra joya, le pese a quien le pese, de nuestro adorado Malick.

La película será vapuleada por muchos de los que vapulearon La delgada línea roja en su momento. Sí, El nuevo mundo es un film lento, si, se recrea en algunas cosas, sí, es mejorable,.. pero leñe, qué gustazo de ver hoy en dia un film tan valiente como este en cuanto a formas.

Y es que el estilo que tiene el ’cine Malick’ es un estilo muy odiado en general, que aburre a un 80% de la población xD pero que el otro 20% de, en mi opinión, afortunados, cada film suyo lo vemos como un regalo para los ojos, visualmente preciosistas y exquisitamente cuidadas.

Tras su maravillosa trilogía de la tierra formada por las rotundas obras maestras Malas tierras, Días del cielo y La delgada línea roja, Terrence Malick nos trae otra historia que habla sobre la tierra y las propiedades todo ello enmarcado en una bella y atípica historia de amor, archiconocida sobretodo gracias al film animado de Disney :P

El nuevo Mundo contiene la mejor fotografía del año (sin lugar a dudas), bravo por Emmanuel Lubezki, que es capaz de emular a grandes como John Toll o Néstor Almendros en el tema de fotografíar parajes naturales.

La música de Horner es bastante mejorable, contiene tramos buenos pero algo repetitiva. El aire clásico de la partitura le queda bien al film. Ese uso de la música de Wagner es maravilloso.
El guión del film del propio Malick contiene, como ya pasó con La delgada línea roja, unas constantes reflexiones en voz en off tan poéticas como necesarias, que dotan a la cinta de ese algo más. Porque en el fondo todos hablamos con nosotros mismos y nos cuestionamos las cosas mentalmente. Bastante buen guión.

La dirección es SUBLIME. Está claro que El nuevo mundo está hecha sobretodo para lucimiento de Malick (y él lo sabe XD). Le han dado la tan ansiada libertad creativa y madre mia, qué planos !!!! Este hombre rueda como un dios xD

Las actuaciones... bueno, regulares. El amigo Farrell es un actor descafeinado, es decir, en algunas películas lo hace bien, en otras mal y en otras regular. Y esta es el caso, está regular, sin más. La debutante Q’Orianka Kilcher, bastante bien, no espectacular pero si muy bien. Sin duda, la mejor actuación del film. El resto: Bale, Plummer etc... convincentes. Plummer tiene varias escenas en donde está colosal, y en donde su rostro describe perfectamente el miedo. A destacar los reducidisimos papeles de Jonathan Pryce y un Ben Chaplin que aparece casi como un cameo.
 
 
El film ni mucho menos es un film prefecto, tiene muchos inconvenientes. En mi opinión, y a diferencia de La delgada linea roja de la que ansiamos ver la versión original que duraba 6 horas, la duración es algo excesiva para la trama que hay que contar y ello lleva a pasajes o reiterativos o que no tienen lugar. Y encima Malick dice que tiene un director’s cut para el dvd con más duración. Si ello hace que el film tenga una mejor narración lineal y sobretodo en el inicio no vaya tan a saltos, pues mejor.

De hecho, la película se estrenó en EEUU con una duración más elevada (150 min) de los 136 minutos finales, vistos los resultados, se decidió a recortarla algo y volverla a estrenar en los cines. La versión que ha llegado a España es la corta de 136 min.



En mi opinión, algunas cosas de la última media hora del film sobran. Eso sí, la manera de acabar el film es muy Malick y muy elegante. La manera de iniciarlo, sin dialogos y solo con imagenes es elegante e inquietante a la vez.

La película es tremendamente profunda, metáforica y elegante. Nos muestra la madre naturaleza como nadie, como si fuera un dios, algo psicológico y sobrenatural, nos muestra a la vez dos culturas y sus creencias, su lucha por la vida, su manera de entender el amor. Ante todo, el film, como todo buen documento de Malick, es una lección sobre el pensamiento humano, un regalo visual y que invita a una reflexión necesaria.
 

En definitiva, este buen hombre hace cine que ya no se hace. Un cine inteligente y que suele confundirse entre cansino y aburrido cuando lo que en verdad es, es fascinante y profundo. Quizás este film no sea su mejor película, pero aún así, es muy buena. Sé que muchos me ahorcarán o me quemarán en la hoguera por alabar tanto a Malick y su discutido film, pero si, soy fan de este hombre, me encanta como usa la naturaleza para explicar sus historias, me encanta su valentía tras las cámaras, y me encanta la "pesadez" que muchos atribuyen a sus films. Cada film suyo es una verdadera lección de cine, una maravillosa postal para el recuerdo, una experiencia visual inolvidable.

Ciclo Martin Scorsese

Ciclo Martin Scorsese

Quiero hacer un gran homenaje a ese director que partío de la nada, recordemos que tuvo una infancia muy dificil en la Little Italy en donde solo había religión y mafia, una persona que se cuestionó si encauzar su vida hace la fe (estuvo a punto de ser cura) o hacia el cine, sus 2 grandes pasiones, y gracias a dios (y nunca mejor dicho) cogió el camino de cineasta y nos entregó toda una obra llena de films ya míticos.

Martin Scorsese es uno de los pocos directores autores que quedan en activo, un director capaz de hacer clásicos contemporáneos consecutivamente, y en cuya obra encontramos elementos claros de él como pueden ser la religión, la redención, las clases sociales, el auge y el fracaso, etc...

Espero que este ciclo, que constará de críticas sobre los films de la lista siguiente, sea disfrutado por aquellos a quienes adoran a este director pero también por aquellos a quien no les gusta y que quizás puedan darle una segunda oportunidad o aquellos que no conocen su obra y les haga interesarse por ella.

Un director importantisimo en el panorama cinematográfico actual, absolutamente gafado con los premios oscar en los que inmerecidamente perdió por Goodfellas y por raging Bull, y cuyo universo será revisado en este ciclo. Sin dudarlo, su cine, su profundidad y sus creencias han creado escuela en la cinematografía moderna, se puede ver claramente referencias y homenajes en trabajos de directores de la calidad de Paul Thomas Anderson o Spike Lee, 2 "alumnos" suyos.

La lista del ciclo será la siguiente (toda su obra en cine, no incluye sus documentales):

  • ¿Quién llama a mi puerta? (Who’s That Knocking at My Door?) - 1967
  • El Tren de Bertha (Boxcar Bertha) - 1972
  • Malas calles (Mean Streets) -1973
  • Alicia ya no vive aquí (Alice doesn’t live here anymore) - 1974
  • Taxi Driver - 1976
  • New York New York - 1977
  • Toro Salvaje (Raging Bull) - 1980
  • El rey de la comedia (The king of comedy) - 1983
  • After Hours - 1985
  • El color del dinero (The color of money) - 1986
  • La última tentación de Cristo (The last temptation of Christ) -1988
  • Uno de los nuestros (Goodfellas) - 1990
  • El cabo del miedo (Cape fear) - 1991
  • La edad de la inocencia (The age of innocence) - 1993
  • Casino - 1995
  • Kundun - 1997
  • Al límite (Bringing out the dead) - 1999
  • Gangs of New York - 2002
  • El aviador (The Aviator) - 2004
  • Lo próximo: The Departed - 2006


Las iré comentando poco a poco para que las podáis ir consiguiendo para verlas, como mucho comentaré del ciclo 1 por semana.

Confío en que os guste y sirva de homenaje a un director que me ha enseñado tanto como Martin.

'Fury' - Fritz Lang (1936)

'Fury' - Fritz Lang (1936)

El director alemán Fritz Lang durante la 2a guerra mundial se vió obligado, como muchos otros directores, a emigrar a América para poder continuar ejerciendo sus labores de realizador.

Su primer film americano fue Fury (Furia), que supuso un excelente debut allí. Por aquel entonces ya era bien sabida la categoria del director por sus obras maestras locales como Metropolis, M el vampiro de Düsseldorf, Los Nibelungos, etc... Y es que hubo una época en que el expresionismo alemán era lo máximo en el cine europeo con directores del calibre de F.W. Murnau, Robert Wiene, Paul Wegener, Arthur von Gerlach, Georg Wilhelm Pabst o el mismo Fritz Lang. Sin duda su visión marcó al cine en general. Una época de oro para el cine alemán sin duda, posiblemente la mejor hornada de directores que ha salido nunca de Alemania (con permiso del posterior Fassbinder).

Volviendo a Furia, aquí el gran Fritz Lang, nos presenta un retrato de una sociedad lamentable, con una critica brutal al denominado y pocas veces castigado delito de masas y con multitud de mensajes válidos. Un film que toca generos como el suspense, judicial, denuncia social y temas como la culpa, la redención, la obsesión, la soledad.

Fury de Lang, tiene el siguiente argumento: Joe Wilson, un hombre encarcelado por equivocación que debería haber muerto en un incendio provocado por una sanguinaria pelea, consiguió sobrevivir. Para todos es un hombre muerto. Joe intentará que sus supuestos asesinos corran la misma suerte de la que él milagrosamente escapó.

Spencer Tracy interpreta a Joe, Sylvia Sydney es su esposa y Furia cumple con su propio y volátil nombre, chamuscando su acusación ante la multitud, que se tomó por su mano la justicia mediante un linchamiento. En su primera película americana, el director Fritz Lang combina la pasión por la justicia con un afilado estado visual, reproduciendo un punto de referencia de conciencia social. 49 años antes de la existencia de esta película, unas 6.000 personas en los Estados Unidos eran víctimas de multitud de linchamientos, Todavía permanece la Furia de esas tragedias y otras injusticias sociales que están por venir..

Nos habla sofre la injusticia a un hombre inocente y que la furia de un cuidad se convierten en la furia de un hombre contra una multitud. En realidad es lo más cercano a la transformación de una persona bondadosa, apacible, serena y que cree en el bien y la justícia, en alguien lleno de ira, con sed de venganza y con pensamientos (lógicamente) malvados.

En este caso, Fritz Lang bebe muchisimo de la obra de otro grande: Hitchcock, utilizando de forma excelente el tema de los famosos McGuffin. En esta película los tenemos en los cacahuetes, algo que unia a Joe (Spencer Tracy) con el asesino y el tema de la palabra mal escrita (Mementum en vez de Memento).

 

En cuanto a la dirección, simplemente buenísima, ver por ejemplo las escenas cuando arde la cárcel o ver durante el juicio la escena en donde el personaje de la novia de Joe (Sylvia Sydney) se entera durante el juicio de que su novio está vivo mediante esa sutil errata en la carta, durante el juicio cuando pasan la película filmada sobre el asalto como prueba numero 1, y otras muchas escenas que merecen la pena. Un excelente director que siguió su gran carrera como cineasta en America y la inició con esta excelente película, que no es que sea extremadamente larga ni compleja pero es mucho mejor de lo que aparenta.

En cuanto a las actuaciones, magníficas. Sobretodo las de 2 actores y 1 actriz. Sylvia Sidney, que interpreta a Katherine Grant, la novia de Joe Wilson (Spencer Tracy), aquí tiene un papel elaborado, no excesivamente largo pero si intenso. Sinceramente expresa perfectamente los sentimientos de su personaje. Recordar que Fritz Lang colaboró con esta actriz en sus siguientes films americanos (You Only Live Once y You and me).

Sobre Spencer Tracy decir que está impresionante como Joe Wilson, pero impresionante. Como pasar en un mismo film de una persona ejemplar a alguien lleno de ira y venganza. Fabuloso. Ver esa escena en donde se encuentra solo ante toda la calle y solo ve gente reflejada en los vidrios que en realidad son imaginarias, qué gran metáfora de la soledad !!

 

Y atención a su discurso final y todas y cada una de sus apariciones.

También cabe recalcar la interpretación energica de Walter Abel como el abogado del distrito Adams. Realmente convincente.

Sin más, solo decir que Fury quizás no sea una de las películas clásicas más recordadas ni nombradas pero aún asi, merece una atención y un aunque sea solo visionado de la misma. Una pelicula con una historia que navega entre género negro, denuncia social, libertades, suspense y temas como venganza, conciencia , responsabilidad, culpa y actitud.


No os la perdáis.

'A history of violence' - David Cronenberg (2005)

'A history of violence' - David Cronenberg (2005)

Tom Stall (Viggo Mortensen) lleva una vida feliz y tranquila con su mujer abogada y sus dos hijos en la pequeña ciudad de Millbrook (Indiana) hasta que una noche su existencia idílica se ve destrozada cuando frustra un violento intento de robo en su restaurante. Tom percibe el peligro y salva a sus clientes y amigos matando en defensa propia a dos criminales buscados por la justicia.

Aplaudido como un héroe, la vida de Tom cambia de la noche a la mañana y de repente se encuentra convertido en el centro de atención de todos los medios de comunicación. Incómodo con esta fama no buscada, intenta volver a su vida normal, pero un hombre amenazante y misterioso llega a la ciudad para enfrentarse a él porque cree que Tom es el hombre con quien tiene una cuenta pendiente del pasado.

Mientras Tom y su familia luchan contra este error de identificación e intentan afrontar la transformación de sus vidas, se verán obligados a plantear sus relaciones y los temas que les dividen.

Una historia de violencia la defino como una absoluta bofetada de realidad y confirma que David Cronenberg es uno de esos autores dignos de reconocimiento ya. Spider supuso una extraordinaria aproximación al tema de la locura y la esquizofrenia interesantísima, ahora en Una historia de violencia aborda una historia de personajes en busca de la redención, con personalidades desdibujadas, con enfrentamientos entre lo familiar y lo violento, y quizás muchos digan que se aparta más de lo fantástico y se acerca más al género negro, en parte es cierto, pero conserva muchos elementos que la hace una obra muy cronenbergiana sin duda.

El film es soberbio en todos los aspectos, en su ritmo (en absoluto crescendo), en su violencia cruda, realista, directa y que supone un acierto mostrarla de esa forma, en las actuaciones, en la madurez de la cinta, en el aroma clásico que desprende, en las references cinéfilas que hay. En fín, un enorme film sobre el entorno familiar y el pasado del cual en ocasiones es tristemente imposible escapar.



Sin dudarlo, estamos ante una película maravillosa formalmente y rodada de forma maestra, ver ese excepcional inicio (dificil de ver hoy en día por su inmensa sobriedad, qué gran plano secuencia!), la escena del jardín que es demoledora, la escena de sexo en las escaleras entre Mortensen y Bello es una de esas escenas que se recuerdan en mucho tiempo ya que representa perfectamente como ha cambiado su relación de pareja en los últimos días, en donde la violencia se apodera también del sexo, mostrándonos su lado más agresivo que nos recuerda a films como La pianista de Michael Haneke salvando las distancias (y menos mal jeje), cualquiera de los planos de tiroteos montados de forma perfecta y directa, las escenas con William Hurt que son de lo mejor del film y sin dudarlo ese final, esa forma tan elegante de acabar el film, esto es cine señores y señoras, qué final tan sutil, sublime y absolutamente minimalista. Finales así hacen que uno adoren el cine.

Las actuaciones son maravillosas, profundas. Desde Viggo Mortensen que incluso me ha sorprendido, con un papel de un tipo que pasa en instantes de ser sensible y pacífico a alguien totalmente letal e imprevisible.

Maria Bello me encanta. Es una actriz de un talento grandioso, una interpretación de una fuerza increíble. Vista en The Cooler donde está maravillosa, también sale en la recién estrenada The Dark.



William Hurt tiene uno de esos papeles que a pesar de ser cortos son de una intensidad enorme y está lleno de matices haciendonos creer un personaje muy bien construído por cierto.

Ed harris, qué decir de él ya? Es uno de los grandes, y como villano lo borda siempre. Su perfomance (incluído física gracias a un estupendo trabajo de maquillaje) es fabulosa, llegando a inquietar como ya hizo en otros muchos films.

En mi opinión como mínimo deberían estar nominados al oscar Maria Bello, Ed Harris y William Hurt, los 3 están cojonudos. A parte claro de la dirección, guión, montaje, efectos sonoros, etc...



El film aún siendo en ocasiones algo explicito en mostrar la violencia, es muy sugerente con muchas cosas, por ejemeplo en ese final SPOILERS lleno de miradas, de silencios, de segundas oportunidades, de aceptar a alguien que ya no es quien era, lo que es como si hubiera un extraño en la mesa , se le da para que se sirva pero con ambiente enrarecido. Y es que en el fondo .. Tom (Mortenesen) había dado tanto por su família durante todos esos años que la redención y el perdón se dan en esa mesa en donde de nuevo vuelven a ser una familia aunque solo sea por momentos. Esa mirada final vale oro. Eso es cine de verdad. FIN SPOILERS



Una joya que solo apreciarán algunos, ya que estoy segurísimo que muchas personas la calificarán que no es para tanto, o que es muy corta, o que se esperaban más, o que es un rollo... nada de eso señores/as, estamos ante una obra absolutamente rozando la maestría, con una realización de aupa y unos actores y atrices en estado de gracia.

Tras Spider y ésta, por favor, nominen a ese puto genio llamado Cronenberg joder XD

La violencia está presente en nuestras vidas, de alguna forma u otra, y sobretodo es innato en el ser humano por autentica desgracia. Eso es A history of violence.

'The Host', lo próximo de Bong Joon-Ho

'The Host', lo próximo de Bong Joon-Ho

El director de la extraordinaria Memories of Murder regresa ahora dejando al lado el thriller policiaco para adentrarse en el género fantástico y de terror con The Host. En el casting de nuevo cuenta con Song Kang-Ho, uno de los mejores actores de Corea del Sur y de paso digo, uno de mis actores favoritos visto en películas como Sympathy for Mr. Vengeance, the president’s barber, Antarctic Journal o Memories of murder.

Actualmente el film está en fase de postproducción, pero por el teaser ya podemos entrever como será. Un teaser que no enseña prácticamente nada (me refiero al monstruo). El cine coreano está llegando a terrenos altísimos, técnicamente hablando. Se dice que The host, contará con uno de los presupuestos mayores del año en Corea, han contratado a Weta Digital para los FX, los creadores de los efectos digitales de la trilogía de El señor de los anillos o King Kong entre otras.

Yo, por mi parte, confio en el buen hacer de Bong Joon-Ho, un excelente director.


Teaser trailer The Host

'Le Samuraï ' - Jean-Pierre Melville (1967)

'Le Samuraï ' - Jean-Pierre Melville (1967)

Cuando hablas de cine francés, la gran mayoría sacan a la palestra directores como François Truffaut, Eric Rohmer, Robert Bresson, Claude Chabrol y otros, en su mayoría de la Nouvelle Vague, pero existen directores que han sido injustamente con el tiempo semiolvidados y claramente infravalorados por algunas voces críticas, a la memoria me vienen por ejemplo Henri-Georges Clouzot o Jean-Pierre Melville. Vamos a recordar a uno de los mejores Melville.

Ayer me dispusé a revisionar El silencio de un hombre (Le Samuraï) , joya del polar francés, dirigida y coescrita por Jean-Pierre Melville en 1967, y que con el tiempo se convirtió en una de las obras maestras del cine policíaco y en obra de culto.

Entre otras cualidades, El silencio de un hombre es un poema desgarrador del hombre solo. Es también, y ante todo, una película policiaca. Este samurai, Jeff Costello (Alain Delon), no es sino un asesino a sueldo del hampa parisina. Asesina cumpliendo órdenes, por contrato. Engañado por sus socios, tiene que defenderse en dos frentes: contra la policía y contra sus cómplices. Se organiza entonces una implacable caza, todos contra un solo hombre. El héroe irrisorio de este combate nocturno triunfará. En la muerte, claro está. Una muerte deseada, organizada, como una apoteosis.

El film se inicia con una cita del código de honor japonés Bushido, y es que en el fondo Jeff Costello vive como un samurai, solitario, sin amigos y con una novia con la que mantiene una relación inestable y extraña y con una tarea que cumplirá sea como sea.

Ante todo Costello es un hombre de palabra, el cual tiene que cumplir una misión: asesinar a una persona, pero aún teniendo coartada, sus socios irán a por él con tal de que no se vaya de la lengua tras los interrogatorios que mantiene con la polícia. Será una persecución a doble banda.

Estamos ante un film maestro formalmente, con multitud de lecturas, de una profundidad envidiable, con una realización de Melville absolutamente magistral dotado de una elegancia superlativa.

Melville nos muestra un film de género negro a la vieja usanza pero a la vez dotandolo de cierta modernidad, de dinamismo, del toque característico del maravilloso polar francés, y nos narra el camino de un samurai urbano hacia su propia muerte, que no entiende de códigos, excepto del suyo propio, en unas calles deshabitadas, en un entorno solitario, con femmes fatale, nightclubs y con un personaje principal que apenas habla, sin aparentes sentimientos, que vive para ello y que solo entiende su propia justicia y pensamiento.

Jean-Pierre Melville era un autentico fan de la cine noir norteamericano de los 30 y posteriores, films como La mujer del cuadro, Perdición, Hampa Dorada, Al rojo vivo, Laura, Los violentos años 20, etc…, han influenciado lógicamente en su obra, nada más hay que comprobar el nombre del personaje de Delon (Jeff Costello) un nombre imposible para un parisino natural de Francia.

A su vez, Melville entre otros realizadores, ha servido de profesor cinematográfico mediante sus obras a una generación de cineastas asiáticos destacables, como pueden ser Johnnie To, John Woo (en su etapa hongkonesa), Kim Jee-Woon, Park Chan-Wook o Wong Kar-Wai.

Alain Delon realiza una interpretación, en mi opinión, colosal, se come la pantalla, realmente nos creemos su creación, la de un hombre insaciable, implacable pero honorable. Un auntentico asesino pero con astucia y saber. Los demás actores y actrices están muy convincentes.

No cabe duda de que este Jeff Costello nos recuerda a ese Chacal interpretado por Edward Fox en el film Chacal de Fred Zinnemann, en muchos de los aspectos.

Y es que da absoluto gusto ver todas esas escensa de Delon en el coche bajo la lluvía, en el puente con el encuentro con el socio, la entrada en su casa tras el paso de la polícia, esas escenas en la casa de la pianista, etc…

El guión es buenisimo y la dirección maravillosa, llena de travellings, de planos secuencia, de picados y contrapicados, un sinfín de buenísimos planos orquestrados por Melville de manera indudablemente ejemplar, y con un final redondo.

También es fantástico el tratamiento interno del protagonista (Costello), el personaje del oficial de polícia, un tipo que es capaz de vender lo que sea para conseguir meter entre rejas a Costello, usando incluso trampas con su novia, y por último fabuloso también el personaje de la pianista, un personaje que realmente también anda en ese mundillo oscuro y peligroso y que en el fondo podemos pensar que se siente atraída por Costello.


Si hay algo que destaque en el film (entre otras muchísimas cosas) es ese excelente final, minimalista, con ese révolver sin balas, la femme fatale mirando el cuerpo de Costello. Magnífico final, me recordó a esos finales de Hitchcock que se acababan justo en el punto perfecto (por ejemplo véase Frenesí).

Recomendación: No os perdáis otra pelicula polar de Melville: El circulo rojo de nuevo con Alain Delon.

En definitiva, Le Samuraï (El silencio de un hombre) es una obra maestra del cine, una de las cumbres del polar francés y en mi humilde opinión una película de obligado visionado.

Fotogramas #1

"It’s the weirdest thing, I feel like I’ve been in a coma for about 20 years, and I’m just now waking up, .......Spectacular" (Lester Burnham- Kevin Spacey)

Magnifico plano contrapicado, que en realidad es un cenital.


American Beauty - Sam Mendes (1999)

'The Manchurian Candidate' - J. Demme (2004)

'The Manchurian Candidate' - J. Demme (2004)

Tras estar unos años ofreciendo films menores como pueden ser La verdad sobre Charlie, vuelve el buen Jonathan Demme, director de la obra maestra El silencio de los corderos y de la estupenda Philadelphia, con El mensajero del miedo (The Manchurian Candidate), remake del excelente film homónimo de John Frankenheimer.

Sin duda nos encontramos ante un remake bien realizado, que varia en bastantes cosas con la original, dandole otro enfoque incluso, con un casting insuperable y una muy correcta dirección y excelente fotografía.

El argumento del film sería el siguiente: El comandante del Ejército de Tierra de Estados Unidos, Bennett Marco (Washington) no consigue conciliar el sueño, pero tampoco quiere hacerlo. Se pasa la vida dando conferencias acerca de la emboscada que sufrió su pelotón en el desierto kuwaití y de la heroicidad del sargento Raymond Shaw (Schreiber) que recibió la Medalla de Honor por salvar a los hombres de Marco. Pero, de noche, las imágenes que recuerda de ese fatídico día se convierten en terribles y siniestras pesadillas. Marco empieza a preguntarse si los dos soldados que murieron en el fuego cruzado no sufrieron una suerte más oscura de la que indican los expedientes oficiales y si Shaw es realmente el héroe glorioso al que todos aclaman.

Empujado por su madre, la controvertida senadora Eleanor Prentiss (Streep), Shaw se convierte en candidato a la vicepresidencia y Marco no tiene más remedio que hacer caso a sus crecientes sospechas. A pesar de los obstáculos - el ejército empieza a cuestionar su cordura y la seguridad alrededor de Shaw es cada vez mayor - Marco se lanza a una carrera contra el tiempo para demostrar la asombrosa e inimaginable verdad antes de que puedan hacerse con la Casa Blanca y poner al descubierto una conspiración que haría tambalearse la democracia.


Realmente, la idea tanto del film original como de su remake, no la veo tan descabellada y lo que más miedo da es que puede que ya haya ocurrido algo similar o que esté por ocurrir. Cuando hay objetivos militares casi imposibles nunca se sabe hasta que limites pueden usar a sus tropas, y este film explica muy bien todo esto, incluso llevandolo hasta terrenos políticos.

The Manchurian Candidate, el film original de 1962, era una película de suspense extraordinariamente rodada (como era costumbre) por el gran e infravalorado John Frankenheimer (El hombre de Alcatraz, El tren,..). Veánse la excepcional metáfora con la baraja de cartas o la muerte del candidato con ese chorro de leche similando sangre o el seguido plano contrapicado.


Este remake es un film tremendamente eficaz, un remake que no solo copia, sino que aporta y modifica una historia original cmabiando la guerra fria y el comunismo por el conflicto de la guerra del golfo y el totalitarismo. La veo como otra visión de la novela.

Es un thriller político astuto, entretenido, con un buen guión y con una innegable factura técnica. Como bien dice Jonathan Demme, mi film es un thriller paranoico político. En mi opinión, es una definición tremendamente acertada.

En cuanto a las actuaciones son formidables. Sin dudarlo, destaca ante las demás, Meryl Streep que está no menos que colosal. Una interpretación que le valió una merecidísima nominación como actriz secundaria. Denzel Washington como siempre, fantástico, en una actuación que quizás toca registros en los que ya le hemos visto en otros films pero aún así está espléndido. Liev Schreiber, aquí nos regala, en mi opinión, una de sus mejores actuaciones de su carrera sin dudarlo.


Del resto, muy bien también, destacan Jeffrey Wright, un excelente actor visto en Flores Rotas o Syriana, y un Jon Voight, que lo hace estupendamente en su cortisimo papel secundario, y atención que tiene una escena suprimida del montaje final en donde está sublime con un cara a cara con Streep.

Una muy buena pelicula